Mega Man Powered Up — O clássico de 8-bits ganha uma nova vida no PSP

Lançado para o PlayStation Portable em 2006, Mega Man Powered Up é muito mais do que uma simples versão refeita do primeiro Mega Man lançado no NES em 1987. A Capcom pegou a estrutura daquele clássico e reconstruiu praticamente toda a experiência, mantendo a essência de plataforma, ação e exploração que tornou o personagem tão famoso, mas acrescentando novos gráficos, fases, personagens, modos de jogo e uma quantidade impressionante de conteúdo extra.

O resultado é um daqueles remakes que conseguem homenagear o passado sem simplesmente copiar o original.

Uma volta às origens

O primeiro Mega Man estabeleceu praticamente toda a fórmula que seria aperfeiçoada nos jogos seguintes: escolher uma fase, enfrentar um Robot Master, derrotá-lo, conquistar seu poder e descobrir quais habilidades funcionam melhor contra os outros chefes.

Powered Up parte exatamente dessa ideia.

A diferença é que a Capcom aproveitou a oportunidade para corrigir algumas limitações do jogo original e transformá-lo em uma experiência muito mais completa. O jogador pode escolher entre o Old Style, que procura reproduzir a experiência do Mega Man de NES, e o New Style, que reformula fases, apresentação e conteúdo.

E é justamente essa combinação entre nostalgia e novidade que torna o jogo tão interessante.

Gráficos: Mega Man em versão desenho animado

A primeira coisa que chama atenção é, obviamente, o visual.

Esqueça os pequenos sprites de 8-bits do NES. Em Powered Up, Mega Man e os demais personagens aparecem com um visual tridimensional e extremamente cartunesco, com cabeças grandes, expressões exageradas e aparência de desenho animado.

A escolha pode causar estranhamento inicialmente. Afinal, o Mega Man clássico tinha uma estética muito mais séria e limitada tecnicamente. Porém, depois de alguns minutos, percebe-se que o estilo combina surpreendentemente bem com o universo do personagem.

Os cenários continuam sendo reconhecíveis, mas receberam cores mais vibrantes, maior profundidade e muito mais detalhes. Os inimigos também foram remodelados, mantendo suas características originais, mas ganhando animações e expressões muito mais divertidas.

É praticamente como se a Capcom tivesse pegado os desenhos dos personagens do NES e transformado tudo em uma animação interativa.

Old Style

O modo Old Style é um verdadeiro presente para os fãs antigos.

A estrutura das fases permanece extremamente próxima do jogo original, inclusive com apresentação em proporção 4:3. A diferença é que agora os elementos foram reconstruídos dentro do novo estilo visual.

É uma maneira interessante de experimentar o Mega Man original sem necessariamente voltar ao hardware de 1987.

New Style

Já o New Style é a verdadeira estrela.

As fases são redesenhadas, recebem novos desafios e aproveitam melhor a tela do PSP. O jogo também acrescenta dois novos Robot Masters: Time Man e Oil Man.

Com isso, a experiência deixa de ser apenas um remake visual e passa a funcionar praticamente como uma nova interpretação do primeiro Mega Man.

Som: nostalgia em alta definição

Se existe algo que o primeiro Mega Man do NES fez muito bem, foi sua trilha sonora.

Powered Up entende isso perfeitamente.

O jogo oferece as músicas originais em determinados modos, preservando aquele charme inconfundível dos 8-bits. Já o New Style apresenta versões remixadas das músicas, com arranjos mais modernos e uma apresentação muito mais alegre.

A trilha remixada combina perfeitamente com o novo visual cartunesco.

Além das músicas, o remake introduz dublagem e diálogos, dando mais personalidade aos personagens. Os Robot Masters deixam de ser simplesmente chefes silenciosos e passam a demonstrar características próprias.

Guts Man, por exemplo, ganha uma personalidade mais bruta, enquanto outros personagens recebem vozes e comportamentos que reforçam o clima de desenho animado.

O resultado é curioso: o Mega Man continua sendo aquele mesmo herói de sempre, mas agora parece ter saído diretamente de uma animação.

Jogabilidade: a essência continua intacta

Apesar de todas as mudanças, Powered Up nunca esquece o mais importante: jogar bem.

Mega Man continua correndo, pulando e atirando. O personagem precisa aprender os padrões dos inimigos, calcular saltos, evitar armadilhas e encontrar a melhor maneira de enfrentar cada Robot Master.

Essa simplicidade é justamente uma das maiores qualidades do jogo.

O controle é responsivo e mantém aquela sensação clássica de precisão. O PSP permite jogar usando o direcional digital, o que acaba sendo particularmente importante em um jogo que exige movimentos precisos.

E a dificuldade continua fazendo parte da experiência.

Mega Man não é um personagem poderoso porque simplesmente possui muita resistência. O jogador precisa aprender os padrões dos inimigos e dominar os movimentos.

É aquela velha filosofia:

você não ficou mais forte; você ficou melhor.

Os Robot Masters continuam sendo o coração do jogo

Uma das maiores características da série Mega Man sempre foi a estrutura baseada nos Robot Masters.

Cada chefe possui uma fase completamente temática, com inimigos e obstáculos relacionados ao seu conceito. Depois de derrotá-lo, Mega Man recebe sua habilidade.

E então começa a parte mais divertida: descobrir a relação de fraquezas entre os chefes.

É quase um quebra-cabeça.

Você pode começar por um chefe, conseguir sua habilidade e perceber que ela é extremamente eficiente contra outro. Depois de conseguir o segundo poder, uma terceira fase pode se tornar muito mais fácil.

Essa estrutura é uma das razões pelas quais o primeiro Mega Man continua tão importante para a história dos jogos de plataforma.

Time Man e Oil Man

A inclusão de Time Man e Oil Man é uma das grandes novidades.

O Mega Man original possuía apenas seis Robot Masters, enquanto Powered Up utiliza oito, antecipando a estrutura que se tornaria padrão nos jogos posteriores.

Time Man possui uma temática relacionada ao tempo e oferece uma habilidade capaz de alterar o ritmo da ação.

Oil Man, por sua vez, utiliza óleo como elemento principal, criando situações diferentes durante a fase e oferecendo uma habilidade própria.

Os dois não parecem personagens simplesmente colocados no jogo para aumentar a quantidade de chefes. Eles foram integrados à nova estrutura do remake e ajudam a fazer o New Style parecer uma experiência realmente diferente.

A grande novidade: jogar com os chefes

Talvez uma das melhores ideias de Powered Up seja permitir que os Robot Masters derrotados sejam desbloqueados como personagens jogáveis.

Depois de derrotar determinados chefes nas condições exigidas, o jogador pode utilizá-los durante a aventura.

E isso muda completamente a maneira de jogar.

Cada personagem possui características próprias.

Cut Man, por exemplo, possui capacidades diferentes das de Mega Man, enquanto Guts Man pode utilizar suas habilidades de maneira completamente distinta para atravessar os cenários.

Isso transforma aquilo que normalmente seria apenas uma recompensa — ganhar a arma do chefe — em uma oportunidade para experimentar novamente as fases com outro estilo de jogo.

É uma excelente maneira de aumentar a longevidade.

Roll e Proto Man

O remake também expande o universo de personagens jogáveis.

Além dos Robot Masters, existem personagens adicionais desbloqueáveis, incluindo Roll e Proto Man, aumentando ainda mais a variedade da experiência.

Para quem gosta de explorar tudo o que o jogo oferece, isso representa uma quantidade considerável de conteúdo.

E é aqui que Powered Up deixa de ser simplesmente um remake e passa a funcionar quase como uma celebração de toda a primeira fase da história de Mega Man.

Challenge Mode: o jogo não termina quando você derrota Dr. Wily

Se terminar a aventura principal não for suficiente, a Capcom incluiu o Challenge Mode.

São dezenas de pequenos desafios que exigem domínio dos controles, conhecimento das habilidades e precisão nos movimentos. O conjunto chega a 100 desafios, oferecendo uma espécie de laboratório para testar as habilidades do jogador.

É um conteúdo especialmente interessante para quem já conhece bem o Mega Man clássico.

Depois de terminar a aventura principal, esses desafios dão um motivo para continuar jogando.

Editor de fases: uma ideia muito à frente de seu tempo

Outro recurso impressionante é o Construction Mode, que permite criar fases próprias.

O jogador pode montar seus cenários utilizando diferentes elementos do jogo, colocando inimigos, obstáculos, itens e outros componentes. Na época, a possibilidade de compartilhar fases criadas pelos próprios jogadores através dos recursos online do PSP era uma adição bastante interessante.

Hoje esse tipo de recurso pode parecer comum, mas em 2006 era uma característica bastante ousada para um jogo portátil.

A atmosfera de um verdadeiro Mega Man

Talvez o maior mérito de Powered Up seja conseguir preservar aquilo que realmente define Mega Man.

Apesar do visual completamente diferente, continuam presentes:

fases temáticas;

Robot Masters;

armas especiais;

sistema de fraquezas;

plataformas precisas;

inimigos com padrões específicos;

obstáculos;

chefes desafiadores;

progressão baseada na conquista de novas habilidades;

Dr. Wily como grande ameaça;

e aquela sensação constante de que cada novo poder pode abrir novas possibilidades.

O visual pode ser fofinho, mas o jogo continua sendo Mega Man.

E isso é importante.

A Capcom não transformou o personagem em um jogo infantil simplificado. Pelo contrário: por trás dos personagens de cabeça grande existe praticamente a mesma filosofia de design que fez o Mega Man do NES se tornar um clássico.

Mega Man clássico versus Powered Up

A melhor maneira de entender o remake é pensar nele como duas experiências diferentes.

O Old Style funciona como uma homenagem direta ao passado. É para o jogador que quer reencontrar a estrutura do Mega Man de 1987 com uma apresentação modernizada.

O New Style é para quem quer descobrir uma versão expandida da aventura, com novas fases, novos chefes, novas mecânicas, personagens desbloqueáveis, cutscenes, dublagem, dificuldades diferentes e muito conteúdo adicional.

Essa decisão foi muito inteligente.

Em vez de obrigar o jogador a escolher entre nostalgia e novidade, Capcom colocou as duas experiências dentro do mesmo jogo.

Veredito

Mega Man Powered Up é um dos remakes mais interessantes da era PSP.

Ele poderia simplesmente ter reconstruído o primeiro Mega Man com gráficos modernos e encerrado o projeto por aí.

Mas a Capcom foi muito além.

O jogo preserva a essência do clássico, recria seus personagens e fases, adiciona novos Robot Masters, oferece novos desafios, permite controlar diferentes personagens e ainda inclui um editor de fases.

Tudo isso mantendo a fórmula básica de correr, pular, atirar, conquistar poderes e descobrir as fraquezas dos chefes.

O visual "fofinho" pode não agradar a todos, principalmente aos fãs acostumados ao design tradicional. Porém, depois que o jogador começa a jogar, fica difícil negar que a proposta funciona.

Powered Up é Mega Man em uma realidade alternativa: mais colorido, mais simpático, mais completo e, acima de tudo, ainda divertido.

É uma verdadeira carta de amor ao primeiro jogo da série.

E talvez sua maior qualidade seja justamente essa: não tenta apagar o Mega Man de 1987 — tenta mostrar como ele poderia ter sido se tivesse recebido uma segunda chance em uma nova geração.

Killer Instinct Gold - Nintendo 64

 

Se tem um jogo que mostra bem a ambição  e também as limitações  do Nintendo 64 no começo da sua vida, esse jogo é Killer Instinct Gold. Lançado em 1996 pela Rare, Gold não é exatamente uma conversão do primeiro Killer Instinct, mas sim uma adaptação de Killer Instinct 2, o segundo arcade da série. A ideia era bem ousada: trazer pra casa um jogo de luta que, nos fliperamas, chamava atenção pelos gráficos pré-renderizados, animações caprichadas, efeitos sonoros marcantes e combos gigantescos.

O resultado é um dos melhores jogos de luta do Nintendo 64, mas também um ótimo exemplo de como as limitações dos cartuchos obrigaram a Rare a fazer várias escolhas difíceis pra transformar o arcade numa experiência doméstica.

Gráficos: impressionantes, mas diferentes do arcade

Na época, Killer Instinct Gold já chamava bastante atenção. Os personagens mantêm o visual característico da série, com lutadores digitalizados e muitos efeitos durante as lutas. Os golpes especiais, projéteis e explosões continuam dando bastante impacto aos combates.

A grande diferença está nos cenários.

No arcade, Killer Instinct 2 usava fundos com animações e imagens pré-renderizadas, criando aquele visual mais cinematográfico típico da série. No Nintendo 64, a Rare refez tudo usando gráficos 3D em tempo real. Isso economizava espaço no cartucho e ainda permitia movimentação de câmera e efeitos que não existiam da mesma forma no arcade.

É uma solução interessante: tecnicamente, o Gold perde um pouco do detalhamento do arcade, mas ganha algo novo, câmeras que se movem e deixam as lutas mais dinâmicas.

O problema é que os personagens não acompanham totalmente o nível dos cenários. Algumas animações foram reduzidas e vários frames do arcade foram cortados. Por isso, comparado diretamente com Killer Instinct 2, o Gold pode parecer um pouco mais “duro” na movimentação.

Ainda assim, pra 1996, o resultado é bem impressionante. Os cenários são fluidos, os efeitos funcionam bem e o jogo mantém boa parte da identidade visual da série.

Som: a pancada continua forte

Se os gráficos tiveram cortes, o áudio conseguiu manter bastante da personalidade da série.

A trilha sonora continua sendo um dos pontos altos. As músicas são rápidas, agressivas e combinam muito bem com o ritmo das lutas. Os efeitos sonoros também têm bastante impacto, principalmente nos combos e golpes especiais.

Mas, de novo, o cartucho impôs limites.

Algumas vozes e narrações do arcade foram removidas, assim como certas sequências cinematográficas. A própria GameSpot comentava na época que o som e os gráficos eram muito bons, mas que algumas falas do narrador tinham ficado de fora.

Isso não quer dizer que o áudio do N64 seja ruim, longe disso. Pra um cartucho de 1996, o resultado é bem sólido. O que acontece é que, quando você compara diretamente com o arcade, dá pra ver que algumas “firulas” audiovisuais ficaram pelo caminho.

Jogabilidade: o coração de Killer Instinct continua intacto

É na jogabilidade que Killer Instinct Gold realmente brilha.

A base de Killer Instinct 2 está praticamente toda aqui: golpes normais, especiais, combos, Auto-Doubles, Linkers, Combo Breakers, Ultra Combos e finalizações.

O grande destaque da série continua sendo a possibilidade de montar combos absurdos. Um jogador experiente consegue emendar dezenas de golpes, enquanto o adversário precisa saber exatamente quando usar um Combo Breaker.

É um sistema que exige prática e memória, mas que também entrega aquela sensação muito satisfatória de domínio.

E o Gold ainda trouxe algo importante pro console: o Training Mode. O modo de treino permite praticar movimentos e combos, sendo uma das melhores adições da versão doméstica. A GameSpot destacou justamente isso como uma das principais novidades do jogo.

Além disso, a versão do Nintendo 64 ganhou modos como Team Battle e Team Elimination Battle, expandindo bastante o conteúdo em relação ao arcade.

Mas por que tanta coisa foi cortada?

Aqui está a parte mais interessante de Killer Instinct Gold.

O problema não era simplesmente o Nintendo 64 ser “fraco”. Na verdade, o console tinha hardware capaz de lidar com muita coisa do jogo.

O grande problema era espaço de armazenamento.

O arcade tinha muito mais capacidade pra guardar animações, imagens, músicas, vozes e vídeos. Já o Nintendo 64 usava cartuchos bem mais limitados.

A Rare precisou usar técnicas de compressão pra encaixar Killer Instinct 2 dentro do cartucho. Mesmo assim, não dava pra levar tudo.

E isso explica várias diferenças.

O que foi perdido na conversão?

1. Cenas em FMV

As sequências cinematográficas do arcade não foram mantidas por completo. Simplesmente não cabia tudo no cartucho.

2. Finais dos personagens

Os finais mais elaborados do arcade foram simplificados ou removidos. No Gold, tudo é mais direto.

3. Animações dos personagens

Alguns frames foram cortados, deixando a movimentação um pouco menos fluida que no arcade.

4. Vozes e narrações

Parte das falas também ficou de fora.

5. Fundos pré-renderizados

Em vez de copiar os cenários do arcade, a Rare recriou tudo em 3D pra economizar espaço.

Arcade vs. Nintendo 64

A grande ironia é que o Gold não é só uma versão “pior” de Killer Instinct 2. Em vários pontos, ele é uma adaptação diferente mesmo.

A Rare teve que reconstruir os cenários, mas isso também abriu espaço pra novas soluções visuais. Além disso, o jogo ganhou modos exclusivos.

E a jogabilidade, mudou muito?

Não tanto quanto os gráficos e o conteúdo.

O núcleo do combate continua bem fiel ao arcade. Mas jogar em casa é outra experiência, ainda mais considerando que o controle do Nintendo 64 não foi feito pensando em jogos de luta tradicionais.

Além disso, Killer Instinct sempre foi uma série bem focada em decorar sequências. Alguns críticos da época achavam que isso podia limitar um pouco a improvisação durante as lutas.

Por outro lado, é exatamente isso que faz o jogo ser tão viciante pra quem gosta de dominar sistemas complexos.

Você começa com golpes simples. Depois aprende especiais. Em seguida entra nos Linkers, Auto-Doubles e Combo Breakers. Quando vê, já está tentando transformar qualquer abertura em um combo gigante.

Vale a pena jogar hoje?

Com certeza.

Killer Instinct Gold pode não ser a conversão perfeita que muita gente imaginava na época, mas ainda é uma demonstração muito interessante do que a Rare conseguiu fazer com um cartucho limitado.

O mais legal é ver onde eles decidiram economizar espaço. Em vez de simplesmente cortar tudo e entregar algo inferior, a Rare recriou cenários em 3D, manteve o sistema de luta praticamente intacto e ainda adicionou modos novos.

O preço disso foi perder cenas cinematográficas, alguns finais, vozes e animações.

Mas, quando a luta começa, isso tudo fica em segundo plano.

Killer Instinct Gold mostra bem a transição entre arcade e console nos anos 90: de um lado, máquinas com muito espaço pra conteúdo audiovisual; do outro, cartuchos com limitações pesadas.

E talvez seja isso que torne o jogo tão interessante hoje. Ele não é só uma versão doméstica de Killer Instinct 2, é um exemplo de como a Rare tentou fazer o impossível: colocar a experiência do arcade dentro de um cartucho e, quando não deu, reinventar o que não cabia.

Veredito

Pra quem curte jogos de luta dos anos 90, Killer Instinct Gold ainda é uma das experiências mais legais do Nintendo 64. Não é o arcade perfeito em casa, mas é uma adaptação muito competente,  e suas limitações ajudam a contar bem a história de uma época em que cada megabyte de cartucho fazia diferença.

Castlevania 40th aniversary - Android / IOS

Para  comemorar os 40 anos do lançamento do primeiro castlevania, a Konami disponibilizou o download do primeiro jogo da série lançado para o NES nas plataformas mobile.

Essa é uma das ações promocionais da Konami para celebrar os 40 anos da franquia, que também está recebendo descontos nas principais plataformas de jogos.

Falando sobre as versões mobile em si, o jogo está bem direto ao ponto,
com os comandos disponibilizados na tela de toque, o jogo possui possibilidade de execução offline e saves, para continuar do ponto que você parou.

Talvez as únicas ressalvas que tenho em relação a essa versão comemorativa,  é que de fato ele é muito básico, não existindo configurações adicionais, como a possibilidade de esticar a resolução de tela por exemplo, seria legal também ter conteúdos adicionais, como o manual original do game, artes conceituais e a possibilidade de jogar as versões japonesa e americana.

O game até reconhece joysticks Bluetooth, mas não oferece a possibolidade de modificações (utilizamos  4 controles Bluetooth diferentes aqui, e não conseguimos configurar o botão B).

Salvo isso, o jogo é estritamente igual ao lançado para o NES em 1986, com sua jogabilidade clássica e desafiadora

Veredito

Vale pela curiosidade e se você quer experimentar essa versão, mas hoje temos possibilidades bem melhores para reviver esse clássico nos aparelhos mobile.

Lembrando que o game estará disponível para Android / IOS até o dia 26 de Outubro de 2026, sendo que após o Download do jogo, o mesmo vai ficar permanentemente em sua biblioteca, mesmo após este prazo.

Contra: Legacy of Wars – O Salto para o 3D que Tropeçou no Próprio Pé

Prepare-se para entrar na "zona de perigo", mas talvez não do jeito que você esperava. Hoje vamos falar sobre um capítulo polêmico na história da Konami: Contra: Legacy of Wars, lançado para o Sega Saturn e PlayStation em 1996.

Se você cresceu nos anos 80 ou 90, o nome Contra evocava imagens de ação frenética em 2D, balas cobrindo a tela e uma trilha sonora de tirar o fôlego. No entanto, com a chegada da era 32 bits, a pressão para "tridimensionalizar" franquias clássicas era imensa. O resultado? Um jogo que muitos fãs preferem fingir que nunca existiu.

A Mudança de Perspectiva: Do 2D ao 3D

Legacy of Wars foi o primeiro título da série a abandonar os sprites 2D detalhados em favor de modelos poligonais e uma perspectiva isométrica/3D. A intenção era dar profundidade ao combate, mas a execução falhou em capturar a alma da série. A transição foi desenvolvida pela Appaloosa Interactive (antiga Novotrade), e não internamente pela Konami, o que explica muita coisa sobre a mudança drástica no "feeling" do jogo.

Gráficos e Visual

No Sega Saturn, o jogo sofre com texturas lavadas e modelos de personagens que parecem blocos desajeitados.

• Ambientes: Os cenários são escuros e muitas vezes confusos, perdendo aquela vibração colorida e alienígena dos jogos anteriores.

• O Efeito 3D: O jogo vinha originalmente com óculos 3D de papel (anaglifo), uma tentativa de inovação que, na prática, causava mais dor de cabeça do que imersão.

Som e Trilha Sonora

Se há algo que Contra sempre acertou, foi a música. Infelizmente, em Legacy of Wars, a trilha sonora é genérica. Onde antes tínhamos batidas militares épicas e sintetizadores memoráveis, aqui temos um rock industrial sem brilho que mal se destaca em meio aos efeitos sonoros abafados de explosões e tiros.

Jogabilidade: O Ponto Crítico

Aqui é onde o jogo realmente perde o ritmo:

• Controles: A movimentação é lenta e travada. Em um jogo onde a precisão é vida ou morte, os controles respondem com um atraso frustrante.

• Dificuldade: O jogo continua difícil, mas não pela curva de aprendizado justa dos clássicos, e sim por ângulos de câmera ruins e colisões mal programadas.

• Personagens: Você pode escolher entre quatro heróis (incluindo um robô e uma alienígena), mas as diferenças mecânicas não são suficientes para salvar a experiência cansativa.

Recepção e Legado: Um Ponto Baixo na Franquia

Na época do lançamento, a crítica não foi gentil. Enquanto jogos como Super Mario 64 mostravam como o 3D deveria ser feito, Contra: Legacy of Wars parecia um passo para trás. Ele é frequentemente citado em listas de piores jogos da série, servindo como um lembrete de que nem toda franquia se traduz bem para o 3D sem um cuidado extremo com a jogabilidade central.

Veredito: Se você é um colecionador fervoroso ou um historiador de jogos curiosos, vale a conferida apenas pelo valor histórico. Para quem busca a verdadeira essência de Contra, o melhor é ficar com o brilho eterno do 2D.

6-Pak (Mega Drive)

Se você jogou Mega Drive nos anos 90, com certeza cruzou com o 6-Pak da Sega. Lançado em 1993, este cartucho é um verdadeiro tesouro de custo-benefício, reunindo seis clássicos de gêneros variados em uma só mídia. É a dose perfeita de nostalgia e diversão rápida.

Sobre os jogos:

• Sonic The Hedgehog: O motivo para se ter um Mega Drive! É o jogo de plataforma que definiu uma geração. Rápido, colorido e com fases icônicas. É a pura essência da jogabilidade blast processing.

• The Revenge of Shinobi: Um jogo de ação e plataforma que é pura dificuldade e coolness. Controlar Joe Musashi, arremessando shurikens e usando magias, é um desafio gratificante, embalado por uma trilha sonora memorável de Yuzo Koshiro.

• Streets of Rage: O beat 'em up que rivalizou com Final Fight. Com combates sólidos, uma atmosfera urbana noir e gráficos excelentes, é obrigatório para quem gosta de distribuir socos ao som de synth poderoso.

• Columns: Um jogo de puzzle simples, mas extremamente viciante. Sua mecânica de alinhamento de cores e gemas oferece um ritmo mais calmo e estratégico em comparação com a ação dos outros títulos.

• Super Hang-On: Um clássico de corrida de motos dos arcades. Embora simples para os padrões atuais, a sensação de velocidade e a trilha sonora eletrizante em cada checkpoint ainda são um deleite nostálgico.

• Golden Axe: Ação de fantasia medieval com rolagem lateral. O prazer de esmagar inimigos, cavalgar feras e usar magias gigantescas (como o dragão de fogo!) faz deste um hack and slash atemporal, perfeito para uma jogatina rápida.

Veredito

O 6-Pak é, sem dúvida, um dos melhores investimentos que um jogador de Mega Drive poderia fazer. Ele oferece uma variedade incrível de gêneros e qualidade. É a porta de entrada perfeita para conhecer a biblioteca do console e uma cápsula do tempo para a era de ouro da Sega.

Captain Commando PS1: Raridade Japonesa

Se você é fã de um bom beat 'em up das antigas, com certeza conhece a lendária placa CPS-1 da Capcom. Mas hoje vamos falar de uma "pérola escondida": o port de Captain Commando para o PlayStation (PS1).

Lançado em 1998, este título é uma curiosidade histórica por diversos motivos, especialmente pelo seu status de raridade. Vamos analisar se ele faz jus ao herói que já foi o mascote da Capcom.

O Exclusivo que Cruzou o Oceano (ou não)

Enquanto títulos como Street Fighter e Resident Evil dominavam o mundo, o port de Captain Commando teve um destino curioso: ficou restrito ao Japão.

Lançado pela New Corp em parceria com a Capcom, ele nunca teve uma versão americana ou europeia oficial no PS1. Isso o tornou um item de colecionador caríssimo. Por anos, a única forma de jogá-lo no Ocidente era através da importação (ou dos famosos discos "alternativos" da época). Essa exclusividade deu ao jogo uma aura de misticismo entre os donos de PlayStation.

Fidelidade ao Arcade: O Poder do 2D no PS1

Diferente da versão anterior para Super Nintendo (que, apesar de competente, sofria com cortes de frames, inimigos reduzidos e sprites menores), a versão de PlayStation é surpreendentemente fiel ao Arcade.

• Sprites: O tamanho dos personagens é idêntico ao original. Ver o Baby Head (ou Mack the Knife) em sua glória pixelada sem as limitações de 16-bits é uma satisfação imensa.

• Contagem de Inimigos: O PS1 lida muito melhor com a horda de vilões na tela, mantendo o caos frenético sem os slowdowns constantes.

• Cortes: Quase nada foi deixado para trás. As transições de fase e as animações de morte (como os inimigos sendo partidos ao meio ou eletrocutados) estão presentes.

Gráficos e Som

Visual Retrô Refinado

Os gráficos são vibrantes. O design futurista-punk de Metro City em 2026 (olha só, o nosso "presente"!) brilha no console da Sony. As cores são vivas e os efeitos de luz das chamas e ataques especiais do Capitão são nítidos. É um banho de nostalgia visual para quem frequentava os fliperamas nos anos 90.

A Batida da Justiça

O som é outro ponto alto. A trilha sonora original foi preservada com ótima qualidade. Os efeitos sonoros de socos, explosões e o clássico grito de "Captain Commando!" ao selecionar o personagem são limpos. Não há aquela compressão de áudio que incomodava em alguns ports da época.

Jogabilidade: Pancadaria de Primeira

A jogabilidade é o coração do jogo, e aqui ela bate forte. O controle do PS1 responde muito bem, e o mapeamento dos botões facilita a execução dos especiais (que consomem um pouco de vida).

• Os 4 Comandos: A dinâmica entre Captain Commando (equilibrado), Ginzu (rápido), Mack (alcance) e Baby Head (força) continua excelente.

• Multiplayer: O jogo brilha no cooperativo. É o tipo de experiência feita para ser jogada com um amigo ao lado, dividindo a tela e a estratégia para derrubar os chefes bizarros como o Monster ou o Dr. Facker.

• Dificuldade: Ele mantém o DNA dos arcades, ou seja, é um "papa-fichas". Prepare-se para usar alguns continues na reta final.

Veredito

O port de Captain Commando para PlayStation é, sem dúvida, é a melhor versão caseiras do jogo, e entrega a experiência definitiva para quem quer o arcade na sala de casa sem precisar de um hardware de emulação moderno, o jogo só  ao foi mais badalado na época devido o lançamento tardio e o fato de ter sido lançado apenas no Japão.

Guilty Gear (PS1) - O Nascimento do Heavy Metal dos Jogos de Luta

 

Em 1998, a cena dos jogos de luta 2D no PlayStation já era dominada por gigantes como Street Fighter e King of Fighters. Foi nesse cenário que a Arc System Works (então Team Neo Blood) e o visionário Daisuke Ishiwatari lançaram um jogo que não apenas ousou competir, mas quebrou convenções com um estilo, som e jogabilidade incrivelmente agressivos: Guilty Gear.

Lançamento

Guilty Gear chegou ao Japão em 14 de maio de 1998, e aos EUA em 31 de outubro do mesmo ano. Em um console mais conhecido por tentar transicionar para o 3D (com resultados variados em jogos de luta), o título da Arc System Works provou que o 2D ainda tinha muito a oferecer.

• Impacto: Embora não tenha tido o apelo mainstream imediato de um Capcom ou SNK, Guilty Gear criou um culto instantâneo entre os entusiastas de jogos de luta. Ele era diferente, era punk, e era absurdamente rápido. A base da franquia estava solidamente estabelecida.

Gráficos: Anime em Movimento

Para os padrões do PS1, os gráficos de Guilty Gear eram impressionantes. Esqueça os sprites pequenos; aqui, os personagens eram grandes, detalhados e possuíam uma animação fluida e expressiva, reminiscentes de um anime de alta qualidade.

• Design de Personagens: Este é talvez o maior destaque visual. Personagens como Sol Badguy e Ky Kiske (o "diabo" e o "anjo" da série) já exibiam designs icônicos, com forte influência do heavy metal e da cultura rock. A estética gótica e industrial dos cenários complementava perfeitamente o caos na tela.

• Efeitos Visuais: Os Overdrive Moves (Super Golpes) eram espetaculares, apresentando flashes de cor e zoom-ins que destacavam o dano massivo, elevando o drama de cada golpe final.

Som: A Trilha Sonora do Apocalipse

Se há uma coisa pela qual Guilty Gear é imediatamente reconhecido, é sua trilha sonora. Composta em grande parte pelo próprio Daisuke Ishiwatari, o jogo é embalado por um Heavy Metal/Hard Rock frenético e melódico.

• Música: A trilha sonora é um dos pontos mais altos, injetando adrenalina pura em cada luta. Os riffs de guitarra e a bateria acelerada combinam perfeitamente com a jogabilidade de alta velocidade.

• Efeitos Sonoros: Os efeitos de impacto são "crocantes" e pesados, fazendo cada golpe com as grandes espadas e armas parecer devastador.

Jogabilidade: O Início da Complexidade Frenética

A jogabilidade de Guilty Gear no PS1 foi um choque para a época. Era um jogo de luta 2D que abraçava a velocidade e a complexidade.

• Velocidade Agressiva: O jogo é extremamente rápido, com combos que desafiam a capacidade de reação do jogador. Ele favorece o ataque e o estilo agressivo.

• Mecânicas Inovadoras: O título introduziu a base para as mecânicas que se tornariam a assinatura da série:

  • Gatling Combo: Permite encadear ataques de diferentes forças para combos mais longos.

  • Air Dash: Permite dash no ar, adicionando uma dimensão vertical à movimentação e combo.

  • Instant Kill (Destruição Instantânea): Uma mecânica de alto risco e alta recompensa, capaz de finalizar a luta instantaneamente (embora extremamente difícil de acertar). No entanto, o sistema era notoriamente quebrado e frequentemente explorado pela IA do jogo.

• Dificuldade: O jogo é conhecido por sua dificuldade brutal, especialmente nos níveis mais altos e contra o infame chefão final. A IA agressiva e, por vezes, "trapaceira" tornava o modo single-player um desafio para os jogadores mais experientes.

Veredito

O Guilty Gear original para PlayStation é mais do que apenas um jogo de luta, é o rascunho ousado e fundamental de uma das franquias mais importantes do gênero.

Embora sua versão de PS1 seja historicamente criticada por seu desequilíbrio e dificuldade insana, ela é inegavelmente o "elo perdido" que lançou as bases para a excelência técnica e artística que viria com Guilty Gear X e as sequências seguintes. É um jogo obrigatório para quem aprecia a história dos jogos de luta 2D e quer ver onde a inovação heavy metal da Arc System Works começou.

Yoshi's Island (SNES)

 

O Super Mario World 2: Yoshi's Island (conhecido simplesmente como Yoshi's Island) não é apenas a sequência de Super Mario World no Super Nintendo (SNES); é um divisor de águas que redefiniu o que um jogo de plataforma da Nintendo poderia ser. Lançado em 1995, este título se desvia da fórmula clássica de Mario para criar uma experiência única, tornando-se um verdadeiro sucessor espiritual de seu antecessor, enquanto ousava trilhar um caminho totalmente novo.

Sucessor Espiritual do Super Mario World

Apesar de ter "Super Mario World 2" no título, Yoshi's Island troca a bota de Mario pelo selim de Yoshi. A premissa é simples e cativante: um bebê Mario cai em uma ilha habitada pelos Yoshis, que assumem a missão de carregá-lo e protegê-lo para que ele encontre seu irmão gêmeo, Luigi, sequestrado por Kamek.

• Mudança de Foco: O jogo inverte a dinâmica. Yoshi, que era um power-up em Super Mario World, torna-se o protagonista e o veículo de proteção para Mario.

• A Nova "Vida": A tradicional barra de vida é substituída por um contador de tempo. Quando Yoshi é atingido, o Bebê Mario flutua em uma bolha, e o contador começa a regressar. Se chegar a zero, Kamek leva o bebê. Essa mecânica de "proteção" adiciona uma camada de tensão e cuidado muito diferente do pulo e ataque de Mario.

A Revolução do Chip FX2: Magia em 16 Bits

O elemento técnico que permitiu a ousadia de Yoshi's Island foi o uso do Chip Super FX2.

• O que é o Super FX2? É um microprocessador RISC auxiliar embutido no cartucho do jogo.

• Qual a Função? Ele expandiu drasticamente as capacidades gráficas do SNES, permitindo a exibição de:

  • Escalamento e Rotação Avançados: Efeitos 3D primitivos e a manipulação de sprites que o hardware base do SNES não conseguiria (como os chefes gigantes ou as plataformas giratórias).

  • Mais Detalhes e Complexidade: O chip liberou o processador principal do SNES, permitindo que os desenvolvedores focassem em mais elementos em tela e no level design.

Essa tecnologia foi fundamental para dar vida à estética inovadora do jogo.

Gráficos: Uma Abordagem Artística Diferenciada

O visual de Yoshi's Island é, sem dúvida, seu aspecto mais marcante e divisivo na época, mas que hoje é universalmente aclamado.

• Estética "Giz de Cera": Em vez de buscar o realismo pixelado da era 16-bit, o jogo abraçou um estilo que parecia ter sido desenhado à mão por uma criança, com contornos grossos, cores vibrantes e um design propositalmente "bagunçado" que remete a giz de cera e aquarela.

• Vantagem Técnica: Essa direção artística funcionou perfeitamente com o Super FX2. O motor gráfico foi capaz de criar paisagens dinâmicas e personagens expressivos, com o sprite do Yoshi sendo um dos mais detalhados e bem animados do console. O resultado é um mundo que parece ter saído de um livro ilustrado, garantindo ao jogo um visual atemporal.

Som: Melodias Cativantes e Expressivas

A trilha sonora, composta por Koji Kondo (o lendário compositor de Mario e Zelda), complementa perfeitamente o ambiente lúdico.

• Temas Infantis: As melodias são alegres, leves e, por vezes, um tanto bobas, encaixando-se no tom "de brinquedo" do visual. O tema principal é instantaneamente reconhecível.

• Efeitos Sonoros Únicos: Os efeitos do jogo são icônicos, desde o som do ovo sendo arremessado e rebatido até o "Waaah!" estridente do Bebê Mario quando ele se separa do Yoshi (que serve como um alerta auditivo de perigo).

Jogabilidade: Profundidade e Perfeição

Yoshi's Island não é apenas sobre chegar ao final da fase; é sobre domínio e coleta. A jogabilidade aprimora as plataformas clássicas e introduz mecânicas essenciais:

Salto Flutuante (Flutter Jump): Permite que Yoshi estenda seu pulo por um curto período, oferecendo controle preciso sobre a aterrissagem. É a espinha dorsal da movimentação.

Ataque de Ovo (Egg Throw): Yoshi pode engolir inimigos e transformá-los em ovos, que são armazenados. O arremesso de ovos se torna a ferramenta principal para ataque, resolução de puzzles e, crucialmente, para coletar segredos. O sistema de mira é um desafio a ser dominado, adicionando uma camada de skill.

Coleta 100%: A verdadeira longevidade do jogo está em sua exigência de perfeição. Para obter a pontuação máxima em cada fase, o jogador deve coletar:

• 20 Moedas Vermelhas escondidas.

• 5 Flores.

• 30 Estrelas (que reabastecem o contador de tempo do Bebê Mario).

Esse foco em coleta meticulosa e level design intrincado faz com que o jogo seja mais uma experiência de exploração e paciência do que de velocidade.

Veredito

Super Mario World 2: Yoshi's Island é uma obra-prima que provou que a inovação na Nintendo estava longe de acabar na era 16-bit. Ele é um sucessor espiritual que honra o legado de Super Mario World ao mesmo tempo que injeta nova vida, design e tecnologia na fórmula de plataforma.

Se você busca um jogo de SNES com gráficos atemporais, jogabilidade profunda e uma trilha sonora charmosa, Yoshi's Island é essencial. É um jogo que desafia a perfeição e recompensa o esforço, permanecendo como um dos melhores títulos já lançados para o console.

World Wide Soccer 97: O Rei do Futebol no Sega Saturn

 

O Sega Saturn pode não ser o console mais lembrado por seus jogos de futebol, mas entre os seus títulos esportivos, World Wide Soccer 97 (conhecido como Victory Goal Worldwide Edition no Japão) se destaca como, indiscutivelmente, o principal jogo do gênero no console. Lançado pela Sega, este título não apenas ofereceu uma experiência de futebol sólida, como também marcou uma importante transição tecnológica, movendo o esporte virtual dos sprites 2D para os polígonos 3D.

Transição Tecnológica: Do 2D ao 3D

Um dos aspectos mais cruciais de World Wide Soccer 97 é o seu papel na evolução dos jogos de futebol. Enquanto muitos jogos anteriores, como International Superstar Soccer ou a série FIFA no Mega Drive, utilizavam sprites 2D para jogadores e um campo que simulava a perspectiva 3D, WWS 97 abraçou totalmente a nova era do hardware de 32-bits.

• Gráficos Poligonais: Os jogadores e o estádio são renderizados em polígonos 3D. Embora hoje pareçam primitivos e com texturas simples (característicos da primeira geração de 3D), na época isso permitiu uma câmera mais dinâmica e movimentos mais fluidos e realistas dos jogadores.

• Animação: A Sega investiu em animações de motion capture (captura de movimento) que, apesar de limitadas, ofereciam um visual mais autêntico para passes, chutes e dribles, superando a rigidez dos sprites pré-renderizados.

Jogabilidade: Rápida e Viciante

A jogabilidade é o coração de World Wide Soccer 97 e a principal razão pela qual ele é tão bem avaliado. A Sega conseguiu equilibrar a complexidade do 3D com a ação arcade e acessível que muitos fãs da Sega esperavam.

• Controle Responsivo: O jogo é rápido e, crucialmente, os controles são precisos e responsivos. Os passes e chutes respondem instantaneamente aos comandos do jogador.

• Sistema de Chute e Passe: O jogo apresenta um sistema de controle de bola que exige timing, especialmente para chutes a gol, que podem ser carregados para aumentar a força, resultando em gols satisfatórios. A física da bola, embora não perfeita, era avançada para a época.

• Táticas Simples: Embora não tenha a profundidade tática dos jogos modernos, o jogo permite ajustes táticos básicos antes e durante a partida, o que adiciona uma camada estratégica.

Som e Atmosfera

O áudio complementa a experiência, criando uma atmosfera de jogo vibrante:

• Comentários: O jogo é famoso pelos seus comentários empolgantes, liderados pelo comentarista inglês Gary Bloom. As frases são repetitivas, mas a emoção na voz do locutor e a rapidez com que ele reage aos lances (como o famoso "It's a goal!") adicionam drama e energia às partidas.

• Efeitos Sonoros: Os sons da bola sendo chutada, a colisão dos jogadores e, principalmente, o barulho da torcida, que reage aos lances perigosos e aos gols, elevam a imersão.

Veredito 

World Wide Soccer 97 é um marco no Sega Saturn. É um jogo que conseguiu navegar com sucesso a transição para o 3D, oferecendo uma experiência de futebol divertida, rápida e graficamente impressionante para a época do seu lançamento. Ele não apenas preencheu uma lacuna no catálogo esportivo do console, como também estabeleceu um padrão de qualidade para os futuros títulos de futebol 3D, consolidando seu lugar como um clássico e o Rei do Gênero de Futebol no Saturn.

X-Men Origins: Wolverine (PS2) - O Lado Afiado da Geração Passada

 

O filme "X-Men Origins: Wolverine" de 2009 gerou seu respectivo jogo, e enquanto as versões para consoles da geração mais recente (PS3/Xbox 360) foram aclamadas pela brutalidade e ação frenética, a versão para PlayStation 2 representa uma adaptação com cortes notáveis. É uma experiência que ainda oferece a fúria de Wolverine, mas com algumas arestas que o tempo não conseguiu polir.

Gráficos: Um Sacrifício Necessário

É importante ser realista: o PS2 já estava no fim de seu ciclo quando este jogo foi lançado. O motor gráfico tenta replicar o look and feel das versões mais robustas, mas o resultado é, previsivelmente, inferior.

• Modelagem de Personagens: Wolverine e os inimigos são reconhecíveis, mas a contagem de polígonos é baixa, resultando em modelos mais angulares e menos detalhados.

• Texturas e Cenários: Os ambientes são mais simples e menos repletos de detalhes visuais. Há uma sensação de que os cenários são um pouco vazios.

• Performance: Apesar da simplificação, o jogo consegue manter uma taxa de frames razoável, crucial para um hack and slash. Pontos positivos para a violência estilizada do combate, mesmo com a limitação gráfica.

Veredito Gráfico: O jogo é bonito considerando o hardware, mas é impossível ignorar que a versão de PS2 recebeu um tratamento de segunda classe visualmente, perdendo a riqueza e o impacto das versões de alta definição.

Jogabilidade: Fúria Atrapalhada por Falhas

A jogabilidade é onde o jogo brilha e tropeça simultaneamente. A essência do combate de Wolverine está lá: combos rápidos, o uso das garras de adamantium e a regeneração.

O Bom: A Ação Pura

O sistema de combate é visceral e satisfatório. Desmembrar inimigos com as garras é a principal atração, e o jogo consegue transmitir a sensação de ser o invencível Wolverine.

O Ruim: Indicadores e Bugs de Colisão

Aqui é onde o jogo perde muitos pontos:

1. Indicação de Objetivos (O Que Fazer): O design de fase muitas vezes é confuso. O jogo falha em dar indicações claras sobre o que o jogador deve fazer a seguir. Muitas vezes, é preciso adivinhar qual parede escalar ou qual alavanca pressionar para progredir, levando a momentos de frustrante backtracking ou simplesmente ficar perdido no mapa.

2. Bugs de Colisão e Cenários: Este é, talvez, o problema mais crítico. É comum que Wolverine fique preso em elementos do cenário, como quinas de paredes ou pequenos objetos, exigindo que o jogador se debata para se libertar. Pior ainda, a detecção de colisão (ou hitbox) às vezes é inconsistente, levando a ataques que parecem atravessar inimigos ou a saltos que falham de maneira injusta. Esses bugs quebram a imersão e a fluidez do combate.

Som: Rugidos e Pancadas de Qualidade

O design de som é, felizmente, um dos pontos mais fortes da versão de PS2, e um dos elementos que mais se aproxima da qualidade das versões de ponta.

• Efeitos Sonoros: O som das garras saindo, o clank do metal contra metal, e os urros de dor dos inimigos são afiados e satisfatórios. Eles dão peso e impacto a cada ataque.

• Trilha Sonora: A música de fundo cumpre seu papel, intensificando a ação durante os combates e criando uma atmosfera sombria nas partes de exploração.

• Dublagem: Embora possa haver variações na qualidade da compressão de áudio, as falas e a voz de Wolverine (mesmo sem a voz original do filme) são executadas de maneira competente, ajudando a contar a história.

Veredito: Para Fãs Pacientes

X-Men Origins: Wolverine no PlayStation 2 é um jogo que entrega a brutalidade que os fãs de Logan esperam, mas exige uma dose de paciência para lidar com suas falhas técnicas.

Se você procura um hack and slash visceral no seu PS2 e consegue ignorar a navegação confusa e os ocasionais bugs de colisão, ainda há diversão em encarnar a máquina de combate mutante. No entanto, é um jogo que serve mais como uma curiosidade de como um título de alta performance foi adaptado para um hardware mais antigo do que uma experiência definitiva do personagem.

The Lion King (Game Gear)

 

The Lion King para Game Gear (1994) é a adaptação portátil de um dos maiores clássicos da Disney. Desenvolvido pela Virgin Interactive e encolhido para o console de 8 bits da Sega, este jogo tem a difícil tarefa de capturar a magia e a dificuldade de seu irmão maior (Mega Drive/SNES) em uma tela menor. Será que o pequeno Simba conseguiu se tornar o rei do portátil?

Gráficos

O Game Gear é famoso por sua capacidade de exibir cores vibrantes, e The Lion King aproveita isso ao máximo.

• Paleta de Cores: Os gráficos são surpreendentemente coloridos e conseguem capturar a atmosfera africana do filme. As fases como o Desfiladeiro e a Selva são reconhecíveis.

• Detalhe dos Sprites: Simba, apesar de pequeno, tem um sprite bem animado, e os inimigos (principalmente as hienas) são distintos.

• O Problema do Screen Crunch: Este é o maior ponto fraco. O campo de visão é muito limitado. Muitas vezes, os inimigos ou obstáculos aparecem na tela sem tempo para reação, transformando a navegação e os saltos de precisão em um desafio frustrante, e não divertido.

Veredito Gráfico: Tecnicamente impressionante para o hardware, mas a limitação da tela compromete a jogabilidade.

Som: A Magia da Disney no Chip

A trilha sonora do filme é icônica, e a versão para Game Gear faz um trabalho respeitável na sua adaptação para o chip de som.

• Músicas: As músicas são arranjadas de forma que são imediatamente reconhecíveis (como "I Just Can't Wait to Be King" e "Hakuna Matata"). Elas mantêm a melodia central, o que é um grande mérito para um portátil da época.

• Efeitos Sonoros: Os efeitos são básicos, mas funcionais. O rugido de Simba, o som dos saltos e dos ataques estão presentes, cumprindo o seu papel sem ofuscar a música.

Veredito Sonoro: Um ponto forte! O áudio é vibrante e dá vida ao jogo, sendo um dos melhores aspectos da portabilidade.

Jogabilidade

Assim como suas contrapartes maiores, The Lion King para Game Gear é brutalmente difícil, mas com problemas de design amplificados.

• Controles: Os controles são precisos, o que é essencial para um jogo de plataforma. Simba Pula, Roa (atordoando inimigos) e, na fase adulta, Ataca e Joga.

• Design de Fases: As fases seguem a estrutura do jogo de console. O problema reside na combinação da dificuldade implacável com o screen crunch.

  • Plataformas de Precisão: Saltos que exigem precisão milimétrica são quase impossíveis de alinhar perfeitamente devido à falta de visão.

  • Fases de Perseguição: A fase do Gnu no desfiladeiro é caótica e ainda mais difícil do que no console, sendo quase impossível desviar de todos os obstáculos a tempo.

• Diversidade: A inclusão das fases "Hakuna Matata" (adulto), onde você pode atacar, e a fase do Elefante Bebendo (onde Simba rola) trazem boa variedade, mas todas são submetidas à dificuldade extrema.

Veredito de Jogabilidade: É um jogo de plataforma funcional, mas a dificuldade de The Lion King e a limitação da tela do Game Gear se combinam para criar uma experiência que é frequentemente mais frustrante do que divertida.

 

Veredito: Um Portátil para os Corajosos

The Lion King para Game Gear é um feito técnico: ele consegue condensar a história, os gráficos e a música do filme em um pequeno cartucho.

No entanto, ele é um jogo feito para os jogadores mais dedicados e, talvez, para aqueles que amavam o jogo do console e queriam um desafio extra.

É uma curiosidade nostálgica e uma boa demonstração da capacidade do Game Gear, mas a curva de aprendizado íngreme e o campo de visão apertado impedem que ele seja um clássico essencial do portátil.