Resident Evil (PS1) – O íncio e consolidação do survival horror

Lançado em 1996 para o PlayStation 1, Resident Evil foi o ponto de partida de uma das franquias mais icônicas da história dos videogames. Desenvolvido pela Capcom, o jogo não apenas marcou o início da série, como também ajudou a consolidar o gênero survival horror, misturando terror, estratégia, puzzles e ação de forma inédita na época.

Os bastidores e o criador por trás do terror

A mente criativa por trás de Resident Evil foi Shinji Mikami, um jovem diretor da Capcom que havia trabalhado anteriormente em jogos da linha Disney. Inspirado pelo obscuro jogo Sweet Home (de Famicom), também da Capcom, Mikami imaginou um novo título que levasse os jogadores ao limite da tensão.

Inicialmente, o projeto foi concebido como um remake moderno de Sweet Home, mas com o tempo, evoluiu para algo mais ambicioso, mesclando influências de filmes de terror como Romero’s Night of the Living Dead e elementos de mistério e sobrevivência. O nome original no Japão foi Biohazard, mas como esse nome já era registrado nos EUA, o jogo foi rebatizado como Resident Evil, em alusão à mansão onde se passa a maior parte da história.

Enredo: bem-vindo à Mansão Spencer

A história acompanha os membros da equipe S.T.A.R.S., que são enviados para investigar o desaparecimento de colegas nos arredores da misteriosa Mansão Spencer, localizada nos arredores de Raccoon City. Com dois protagonistas jogáveis, Chris Redfield e Jill Valentine,  os jogadores se deparam com criaturas bizarras, zumbis, experimentos genéticos e revelações sobre a sinistra corporação Umbrella.

A narrativa se destaca por seus momentos de tensão e surpresas, mesmo com a atuação dos dubladores sendo considerada "engraçadamente ruim",  algo que acabou virando um charme nostálgico com o tempo.

Gráficos: pré-renderizados e atmosfera sufocante

Para a época, Resident Evil trouxe uma inovação técnica notável: os cenários pré-renderizados. Em vez de mundos totalmente tridimensionais, os personagens se movimentavam sobre imagens estáticas ricas em detalhes, o que permitia uma ambientação mais realista dentro das limitações do hardware do PS1.

As câmeras fixas, que alternavam de ângulo conforme o personagem se movia, aumentavam a tensão, já que muitas vezes os inimigos surgiam de locais fora da visão do jogador. Essa escolha de design tornou a experiência mais claustrofóbica e imprevisível.

Som: entre o silêncio e o pânico

O som é um dos elementos mais marcantes do jogo. A trilha sonora, composta por Makoto Tomozawa e equipe, é minimalista, aparecendo apenas em momentos-chave, o que aumenta a imersão e o impacto dos sustos. Os efeitos sonoros, como os gemidos dos zumbis, o eco dos passos na mansão e o som de portas rangendo, criam uma atmosfera constante de ansiedade.

Apesar das críticas à dublagem em inglês, que soava artificial, ela acabou se tornando um elemento cult e memorável para os fãs.

Jogabilidade: medo e estratégia em cada canto

A jogabilidade de Resident Evil é marcada por seu estilo "tank control", onde os personagens giram sobre seu próprio eixo e depois se movem para frente, o que exigia um tempo de adaptação. A movimentação limitada, combinada com munição escassa, criava uma sensação de vulnerabilidade constante, exatamente o que Mikami queria.

Além do combate, o jogo exigia resolver enigmas, encontrar chaves, administrar recursos e salvar o progresso em máquinas de escrever com fitas limitadas, outro fator que aumentava a tensão.

Legado e importância

Resident Evil não só definiu o gênero survival horror, como também pavimentou o caminho para inúmeros sucessores e inspirou diversos jogos e filmes. Seu sucesso foi tão grande que gerou várias continuações, remakes (incluindo um excelente remake para o GameCube em 2002 e posteriormente para outras plataformas), além de ter dado origem a uma franquia multimídia de alcance global.

Veredito 

Resident Evil para PS1 é um marco histórico dos videogames. Seus gráficos inovadores, atmosfera sufocante, jogabilidade desafiadora e narrativa envolvente mostraram que jogos de terror podiam ser mais do que apenas sustos, eles podiam contar uma boa história e criar experiências inesquecíveis. Mesmo décadas depois, o primeiro Resident Evil ainda é lembrado com carinho (e arrepios) pelos fãs.

Truxton (Mega Drive) – O Tiro Espacial dos Arcades que Inaugurou o Mega Drive com Estilo

Lançado originalmente para os fliperamas em 1988 pela renomada Toaplan, Truxton (conhecido como Tatsujin no Japão) ganhou uma versão para o Mega Drive em 1989, sendo uma das primeiras conversões de arcade a chegar ao novo console da Sega. Essa adaptação manteve boa parte da essência original, levando para casa a mesma ação frenética e dificuldade elevada que fizeram sucesso nos arcades.

Conversão fiel ao arcade

Truxton no Mega Drive é uma das primeiras tentativas da Sega de mostrar que seu console 16 bits poderia reproduzir com fidelidade os sucessos dos fliperamas. A versão caseira manteve os elementos fundamentais da experiência arcade: o layout das fases, padrões de inimigos, chefões imensos e o icônico power-up do raio azul.

Embora tenha havido pequenas perdas gráficas e sonoras devido às limitações do hardware doméstico em relação às placas de arcade, a adaptação foi elogiada por sua jogabilidade fluida e desafiadora, sendo considerada uma das melhores conversões da época.

Gráficos

Para um título de lançamento, os gráficos de Truxton no Mega Drive são sólidos. O jogo apresenta sprites bem definidos, explosões vibrantes e ambientes espaciais variados. Mesmo com algumas simplificações visuais em relação à versão arcade, o visual ainda consegue transmitir bem o clima de guerra espacial. Os chefes, por exemplo, continuam sendo grandes e bem desenhados, criando um bom senso de escala e perigo.

Sons

A trilha sonora eletrônica, adaptada do arcade, é um dos destaques da versão para Mega Drive. Embora não seja tão potente quanto a original, ela consegue capturar o clima tenso e acelerado das batalhas. Os efeitos sonoros, como os disparos e as explosões, são típicos da era 16 bits e funcionam bem dentro do estilo do jogo, mesmo com certa simplicidade.

Jogabilidade

A jogabilidade é o ponto mais fiel da conversão. Truxton oferece ação intensa do início ao fim, com jogabilidade vertical clássica de shoot ‘em up. O jogador pode melhorar sua nave com power-ups e usar bombas poderosas para se livrar de situações desesperadoras. O controle responde bem e os desafios vêm em ondas crescentes, exigindo precisão, paciência e muito treino.

Truxton é também conhecido por sua dificuldade brutal, herança direta dos arcades, onde cada ficha contava. A versão de Mega Drive mantém esse nível de desafio, fazendo com que o jogo seja um verdadeiro teste de habilidade.

Um dos Primeiros do Mega Drive

Por ser um jogo de primeira geração do Mega Drive, Truxton teve um papel importante em mostrar que o console podia reproduzir a experiência arcade em casa com qualidade. Ele serviu de vitrine técnica e ajudou a definir o tipo de jogos que se tornariam populares no início da vida útil do console, especialmente os shoot ‘em ups rápidos e difíceis.

Veredito

Truxton  é um exemplo de como uma boa conversão de arcade pode se transformar em um clássico caseiro. Com gráficos sólidos, som envolvente e jogabilidade desafiadora, ele marcou presença na estreia do Mega Drive e até hoje é lembrado com respeito pelos fãs de jogos de nave. Se você é amante dos arcades ou procura um bom desafio retrô, Truxton é uma escolha certeira.

Street Fighter EX Plus α 2 – A fusão do 2D com o 3D nos tempos de ouro dos jogos de luta

Lançado em 1999 para o PlayStation, Street Fighter EX Plus α 2 (ou apenas Street Fighter EX2 Plus) é a continuação direta da ousada sub-série EX da Capcom, desenvolvida em parceria com a Arika. Este jogo representa um marco interessante na franquia, pois levou os tradicionais combates 2D para um ambiente gráfico 3D, sem abandonar a jogabilidade clássica que tornou a série famosa.

Lançamento e contexto

O título é uma versão aprimorada de Street Fighter EX2, lançado originalmente para os arcades em 1998 com a placa Sony ZN-2. A versão Plus trouxe melhorias significativas no balanceamento dos personagens, novos lutadores e ajustes de jogabilidade. Quando chegou ao PlayStation, EX Plus α 2 consolidou-se como uma das experiências mais completas da série EX nos consoles domésticos.

Essa fase experimental da Capcom era marcada pela tentativa de adaptar suas franquias à crescente popularidade dos gráficos tridimensionais. No entanto, ao contrário de jogos como Tekken ou Virtua Fighter, Street Fighter EX manteve o plano de luta bidimensional, apostando apenas na estética 3D.

Gráficos

Os gráficos poligonais de EX Plus α 2 eram, na época, uma mistura de novidade e estranheza para os fãs da série. Embora os modelos dos personagens fossem simples comparados aos padrões atuais, eles impressionavam por sua fluidez e pelo carisma das animações.

O estilo artístico mantinha a identidade da franquia, com cenários variados e vivos, além de efeitos visuais para os golpes especiais que ajudavam a preservar a intensidade das lutas. Mesmo com as limitações técnicas do PlayStation, o jogo conseguia entregar uma apresentação sólida e visualmente interessante.

Sons e trilha sonora

A trilha sonora de EX Plus α 2 é um dos seus pontos fortes. Com composições energéticas e vibrantes, as músicas acompanham o ritmo rápido das batalhas e ajudam a criar uma atmosfera envolvente. Cada personagem tem seu próprio tema, o que reforça a identidade única de cada lutador.

Os efeitos sonoros também são competentes, com golpes bem representados e vozes marcantes nos gritos de ataque e nas introduções dos personagens. Apesar de algumas compressões típicas do hardware do PS1, o áudio cumpre seu papel com louvor.

Jogabilidade

A jogabilidade é fiel ao estilo tradicional de Street Fighter: comandos de meia-lua, combos, especiais e super especiais estão todos presentes. A principal diferença está na introdução de novos sistemas, como o Guard Break e o Excel Combo, que permitiam sequências rápidas de golpes com liberdade criativa.

O elenco é diversificado, combinando personagens clássicos como Ryu, Chun-Li e Guile, com lutadores originais da série EX, como Skullomania, Doctrine Dark e Garuda. Cada um apresenta estilos e mecânicas únicos, oferecendo variedade e possibilidades para jogadores de todos os níveis.

O ritmo é mais acelerado que em jogos 2D tradicionais, e a profundidade dos combates faz de EX Plus α 2 um jogo que recompensa tanto a habilidade quanto a experimentação.

Veredito 

Street Fighter EX Plus α 2 é um jogo que marcou sua época por tentar algo diferente sem perder a essência da série. Apesar de não ser tão lembrado quanto os títulos principais em 2D, ele é um capítulo importante da história dos jogos de luta da Capcom.

Seus gráficos em 3D foram uma aposta corajosa, sua jogabilidade manteve a tradição, e sua trilha sonora ainda ecoa na memória de muitos fãs. Para quem deseja revisitar um momento único da era dos 32 bits, este jogo é uma excelente pedida.

Roblox (Android): A Febre da Liberdade Criativa

Lançado inicialmente para PC em 2006, o Roblox conquistou ao longo dos anos um público gigantesco, especialmente no formato mobile. A versão para Android é um dos principais responsáveis pelo fenômeno global que o jogo se tornou, atraindo milhões de jogadores pelo mundo com sua proposta única de liberdade e criatividade.

Mecânicas de Jogo

Diferente dos jogos tradicionais, Roblox não é apenas um jogo, mas sim uma plataforma completa de criação e compartilhamento de mundos virtuais. Os jogadores podem criar seus próprios jogos e experiências usando a ferramenta Roblox Studio, ou explorar milhares de jogos criados por outros usuários dentro do próprio app.

Na versão Android, a mecânica mantém-se fiel ao conceito original, com controles adaptados para touchscreen, permitindo jogar, explorar e interagir em ambientes 3D variados, desde jogos de aventura, simuladores, corridas, até mini-games e muito mais.

A diversidade de jogos dentro do Roblox oferece uma experiência praticamente infinita, onde o jogador pode escolher o estilo que preferir e socializar com outros usuários em tempo real, aumentando ainda mais o apelo multiplayer do título.

Por que Roblox se tornou uma febre?

A chave do sucesso do Roblox está na sua liberdade criativa e comunidade ativa. Diferente de jogos com roteiros fechados, Roblox dá o poder nas mãos dos jogadores para criar, compartilhar e se divertir em mundos que refletem seus interesses e imaginação.

Além disso, a facilidade de acesso em múltiplas plataformas (PC, consoles, e principalmente mobile) fez com que o jogo alcançasse públicos de várias idades, especialmente crianças e adolescentes.

Outro fator decisivo é a constante atualização do jogo, com eventos temáticos, parcerias com marcas famosas e melhorias nas ferramentas de criação, mantendo o interesse e a relevância da plataforma.

Versão suportada no Android e configuração mínima

Para rodar Roblox no Android, é necessário:

• Versão mínima do Android: 5.0 (Lollipop) ou superior.

• Processador: CPU Quad-core com pelo menos 1.8 GHz (recomendado).

• Memória RAM: mínimo de 2 GB.

• Espaço livre: pelo menos 100 MB para instalação, podendo variar conforme jogos baixados.

• Conexão com internet: essencial para multiplayer e download de conteúdos.

Mesmo com essas especificações, o desempenho pode variar dependendo do modelo do aparelho, mas em geral, smartphones medianos e superiores conseguem rodar o Roblox de forma satisfatória.

Veredito

Roblox para Android é uma experiência inovadora que vai muito além do conceito clássico de jogo, oferecendo uma plataforma rica, social e criativa. Sua mecânica aberta, aliada à comunidade gigantesca, faz dele uma febre global que continua crescendo.

Se você gosta de explorar mundos novos, criar suas próprias aventuras e socializar online, Roblox é uma ótima pedida, seja no Android ou em outras plataformas.

Sonic 4: Episode II (Android) - Uma tentativa moderna que o tempo quase apagou

Lançado originalmente em 2012 para diversas plataformas, incluindo consoles, PC e dispositivos móveis, Sonic the Hedgehog 4: Episode II chegou ao Android com a proposta de resgatar o espírito dos jogos clássicos da série, adicionando elementos modernos e gráficos em alta definição. Apesar das boas intenções, o jogo teve uma recepção mista e, com o passar dos anos, acabou se tornando uma peça quase esquecida no vasto legado do ouriço azul da SEGA.

Recepção na Época

Na ocasião de seu lançamento, Episode II foi recebido com mais entusiasmo do que seu antecessor direto (Episode I), principalmente por corrigir algumas críticas importantes, como a física estranha e a jogabilidade "travada". A reintrodução do personagem Tails como parceiro jogável e a possibilidade de jogabilidade cooperativa foram bem vistas, especialmente pelos fãs nostálgicos da era do Mega Drive.

Contudo, a crítica especializada e muitos jogadores ainda consideraram o jogo abaixo do padrão que a franquia estabeleceu nos anos 90. A sensação geral era de que, apesar das melhorias, Episode II ainda não conseguia capturar a essência clássica que tornou Sonic um ícone dos videogames.

Gráficos

Um dos pontos mais elogiados foi o visual. No Android, Sonic 4: Episode II se destaca com gráficos coloridos e bem definidos, utilizando um estilo 2.5D que combina cenários em 3D com jogabilidade em duas dimensões. As animações são suaves, e os ambientes variam entre zonas de neve, parques industriais e cavernas subaquáticas, todos com bastante personalidade visual.

Sons

A trilha sonora, composta por Jun Senoue (veterano da série), tenta emular o estilo dos jogos antigos, mas não atinge o mesmo impacto marcante das músicas dos primeiros títulos. Os efeitos sonoros são funcionais, com os tradicionais anéis, saltos e rolagens mantendo a identidade sonora do ouriço.

Jogabilidade

A jogabilidade recebeu melhorias significativas em relação ao primeiro episódio. A física foi ajustada, deixando Sonic mais fluido e responsivo. A presença de Tails permite a realização de movimentos cooperativos, como o voo e a combinação de ataques, o que adiciona variedade às fases.

No entanto, muitos jogadores ainda consideraram o ritmo das fases um pouco inconsistente, com trechos que quebram o fluxo veloz que se espera de um jogo do Sonic. Ainda assim, é um título divertido e que pode agradar aos fãs mais pacientes e curiosos.

Um Episódio Esquecido?

Com o tempo, Sonic 4: Episode II acabou sendo esquecido até mesmo pelos fãs da franquia. Isso se deve, em parte, à ausência de um Episode III prometido e nunca lançado, e também pela chegada de títulos mais impactantes, como Sonic Mania (2017), que soube resgatar com maestria a essência da era 16-bit.

Além disso, a versão Android foi retirada temporariamente de algumas lojas digitais e hoje pode ser difícil de encontrar oficialmente. Isso contribuiu para que o jogo se tornasse uma espécie de curiosidade da franquia — um experimento que tentou modernizar o clássico, mas que não conseguiu deixar uma marca duradoura.

Veredito

Sonic 4: Episode II é um jogo que merece ser lembrado, nem que seja como uma tentativa sincera de reviver os tempos dourados de Sonic. Com bons gráficos, jogabilidade competente e uma proposta nostálgica, ele ainda pode oferecer diversão, especialmente para quem o encontra nas profundezas da Play Store ou em dispositivos antigos. Mas é inegável que, com o passar do tempo, o jogo acabou ficando para trás, ofuscado tanto pelos clássicos quanto pelos novos sucessos do ouriço azul.

Super Mario Kart (SNES) – o mundo do encanador bigodudo no universo das corridas

Lançado em 1992 para o Super Nintendo, Super Mario Kart não foi apenas um spin-off com personagens do Reino do Cogumelo, foi uma revolução no gênero de corrida nos videogames. Com sua proposta inovadora, o título deu origem a uma das franquias mais bem-sucedidas e queridas da Nintendo, marcando presença quase obrigatória em todas as gerações de consoles da empresa desde então.

A tecnologia Mode 7 e o impacto visual

Uma das grandes inovações técnicas do jogo foi o uso do Mode 7, uma técnica gráfica exclusiva do Super Nintendo que permitia o redimensionamento e rotação de camadas de fundo, criando uma ilusão de profundidade e movimento tridimensional em uma era dominada por gráficos 2D. Isso possibilitou que as pistas fossem visualizadas de cima com sensação de perspectiva e velocidade, algo impressionante para a época.

Os gráficos coloridos e carismáticos, com sprites bem definidos e cenários variados, encantavam os jogadores. Era notável como o game conseguia transmitir bem as identidades dos personagens e locais do universo Mario, mesmo com as limitações do hardware da época.

Sons marcantes e atmosfera divertida

A trilha sonora composta por Soyo Oka se tornou instantaneamente icônica, com músicas que combinavam perfeitamente com a atmosfera divertida e competitiva do jogo. Os efeitos sonoros também eram destaque, o som de uma banana sendo lançada, o uso de um casco verde ou o turbo após pegar um cogumelo criavam uma experiência sonora envolvente e memorável.

Jogabilidade viciante e modo multiplayer lendário

A jogabilidade era simples de entender, mas difícil de dominar. Com oito personagens jogáveis (incluindo Mario, Luigi, Bowser e Yoshi), cada um com características próprias, o jogo trazia variedade estratégica. Os itens coletáveis, como cascos e estrelas, adicionavam elementos de imprevisibilidade, transformando qualquer corrida em uma disputa acirrada até a linha de chegada.

O modo multiplayer, especialmente o Battle Mode, consolidou Super Mario Kart como um dos jogos mais sociais do SNES. As batalhas em arenas fechadas, onde o objetivo era estourar os balões do adversário, garantiam horas de diversão entre amigos.

Um legado que atravessa gerações

O sucesso de Super Mario Kart foi imediato, tanto em vendas quanto em recepção crítica. Ele não apenas criou um novo subgênero de corrida arcade com itens e personagens, como também iniciou uma tradição: desde o Super Nintendo, todas as plataformas principais da Nintendo receberam ao menos um jogo da série Mario Kart, incluindo Game Boy Advance, Nintendo 64, GameCube, DS, Wii, 3DS, Wii U, Nintendo Switch e até dispositivos móveis.

O jogo original pavimentou o caminho para uma das franquias mais lucrativas da Nintendo, acumulando mais de 170 milhões de unidades vendidas somando todos os títulos até hoje.

Veredito

Super Mario Kart não é apenas um clássico do Super Nintendo, é um marco na história dos videogames. Inovador no uso do Mode 7, impecável na jogabilidade e inesquecível em som e gráficos, o jogo conquistou uma legião de fãs e lançou uma das séries mais populares de todos os tempos. Mesmo décadas após seu lançamento, ele continua sendo lembrado como um dos maiores títulos da era 16-bit.

1942 – O Clássico de Guerra Aérea da Capcom

Lançado em 1984 para os arcades, 1942 é um dos grandes marcos da primeira geração de jogos da Capcom, ajudando a consolidar a empresa como um dos principais nomes da indústria dos videogames. Inspirado pelos intensos combates aéreos da Segunda Guerra Mundial, o jogo transporta o jogador para os céus do Pacífico, em uma jornada repleta de tiroteios, manobras evasivas e desafio constante.

Um clássico de sua era

Em uma época em que os jogos de tiro estavam se popularizando, 1942 se destacou pela sua proposta direta e viciante. Ao controlar um avião de combate Lockheed P-38 Lightning, o objetivo era simples, mas exigente: destruir os esquadrões inimigos japoneses enquanto se esquiva de uma enxurrada de balas e inimigos em formação.

Mesmo com gráficos simples para os padrões atuais, 1942 impressionava nos arcades com cenários bem definidos, sprites nítidos e uma ação visualmente fluida. Os aviões eram bem detalhados para a época, e a paleta de cores sóbria casava bem com o tema militar.

Sons e atmosfera

O design sonoro de 1942 também merece destaque. Apesar das limitações técnicas da época, os efeitos sonoros de tiros, explosões e alertas conseguiam transmitir uma sensação de urgência e tensão. A música de fundo, repetitiva e marcante, cumpria bem o papel de manter o jogador imerso no ritmo acelerado do jogo.

Jogabilidade desafiadora

A jogabilidade é simples de aprender, mas difícil de dominar. Com apenas dois botões, tiro e loop (uma manobra evasiva que permite escapar de situações perigosas), o jogo exige reflexos rápidos e um bom senso de posicionamento. A dificuldade crescente a cada fase é um dos maiores atrativos para fãs de desafios, fazendo com que 1942 seja um título que recompensa a persistência e a prática.

Onde jogar hoje

Mesmo décadas após seu lançamento, 1942 continua acessível. O jogo está disponível em diversas coletâneas da Capcom, como a Capcom Arcade Stadium (para Nintendo Switch, PlayStation 4, Xbox One e PC), e em emuladores que preservam a experiência original dos fliperamas. Além disso, versões adaptadas foram lançadas para consoles antigos como NES e até para dispositivos móveis, o que facilita ainda mais o acesso a essa relíquia dos anos 80.

Veredito

1942 é um daqueles jogos que definiram uma era. Simples, direto e desafiador, ele mostrou já nos primeiros anos da Capcom o potencial da produtora japonesa em criar experiências inesquecíveis. Para fãs de shmups (shoot ‘em ups), curiosos pela história dos videogames ou simplesmente apreciadores de clássicos arcade, revisitar 1942 é sempre um bom voo rumo à nostalgia.

Shinobi (Game Gear) - os ninjas invadindo o console de bolso da Sega

 

Se você cresceu nos anos 90 com um Game Gear nas mãos, é quase certo que o nome Shinobi desperte boas lembranças. Lançado em 1991, esse clássico da Sega marcou época ao levar a ação ninja para o mundo dos consoles portáteis, e o melhor: com personalidade própria.

Um Ninja na Palma da Sua Mão

Diferente das versões para arcade ou Mega Drive, Shinobi no Game Gear traz uma proposta única: você controla diferentes ninjas, cada um com habilidades especiais, que são liberados conforme avança nas fases. Isso transforma a jogabilidade em algo estratégico e viciante.

Gráficos que Impressionam (Mesmo Hoje!)

Sim, estamos falando de um portátil de 8 bits, mas Shinobi entrega visuais impressionantes para a época. Cenários variados, inimigos bem desenhados e sprites cheios de personalidade mostram o cuidado da Sega com este título.

Som de Qualidade Ninja

A trilha sonora é simplesmente marcante. Com composições que grudam na cabeça e efeitos sonoros certeiros nos combates, o áudio aqui cumpre um papel essencial para criar imersão, algo raro em muitos jogos portáteis da época.

 

Jogabilidade: A Alma do Shinobi

Alternar entre os ninjas no meio da fase dá um toque tático incrível. Cada um tem suas vantagens, alguns escalam paredes, outros usam magia, e saber quando usar cada um é parte do desafio e da diversão.

Veredito: Um Clássico que Merece seu Lugar no Topo

Shinobi para Game Gear é mais do que nostálgico, é atemporal. Com sua jogabilidade envolvente, visuais carismáticos e uma ambientação sonora poderosa, ele continua encantando novos jogadores e sendo presença obrigatória em qualquer top 10 do console.

Se você ainda não jogou, essa é sua deixa para redescobrir um dos melhores jogos  do Game Gear.

Pokémon Red (Game Boy): o jogo que reviveu o Game Boy

Lançado em 1996 no Japão e em 1998 no ocidente, Pokémon Red (junto com Pokémon Blue) não foi apenas mais um RPG no catálogo do Game Boy, foi o marco zero de uma das franquias mais icônicas, influentes e lucrativas da história dos videogames. Criado por Satoshi Tajiri, com o apoio fundamental de Shigeru Miyamoto (criador de Mario e Zelda), Pokémon Red teve um papel decisivo no ressurgimento e longevidade do Game Boy, um portátil lançado em 1989 e que, àquela altura, já dava sinais de cansaço comercial.

A História por Trás da Criação

A ideia de Pokémon nasceu da paixão de Satoshi Tajiri por colecionar insetos quando criança. Ele vislumbrou um jogo em que os jogadores pudessem capturar, treinar e trocar criaturas, e isso só se tornou possível com o Game Boy e seu cabo link, que permitia a troca de monstros entre os jogadores. Essa funcionalidade não só reforçava o aspecto social do jogo, como incentivava que amigos se reunissem para completar suas Pokédex.

Com a ajuda do estúdio Game Freak e o apoio técnico da Nintendo, Tajiri conseguiu tirar o projeto do papel. Shigeru Miyamoto, embora não envolvido diretamente na programação, foi um dos grandes incentivadores do projeto dentro da Nintendo, tendo influenciado a ideia de se lançar duas versões do jogo (Red e Blue) para aumentar a interação entre jogadores. Curiosamente, os personagens principais do jogo, Red e seu rival Blue (Green no Japão), são uma homenagem direta a Tajiri e Miyamoto.

Gráficos e Sons: O Máximo do Mínimo

Em termos técnicos, Pokémon Red não impressionava à primeira vista. Os gráficos eram simples, com sprites monocromáticos e animações mínimas. No entanto, dentro das limitações do Game Boy, os designers extraíram tudo o que podiam: cada Pokémon tinha um visual único e memorável, e o mundo de Kanto, apesar da simplicidade visual, era repleto de locais marcantes como a Floresta de Viridian, a Torre de Lavender e a Liga Pokémon.

A trilha sonora, composta por Junichi Masuda, é um dos grandes trunfos do jogo. As músicas são cativantes, intensas quando necessário e perfeitamente adaptadas às limitações do hardware. Quem jogou Pokémon Red dificilmente esquece o tema de batalha ou a música da cidade de Lavender.

Jogabilidade: Simples, Profunda e Viciante

A jogabilidade de Pokémon Red é uma aula de design. Misturando elementos de RPG com coleta e estratégia, o jogo convida o jogador a montar seu próprio time, explorar o mundo, batalhar contra treinadores e vencer os oito líderes de ginásio rumo à Liga Pokémon. Com mais de 150 criaturas para capturar, cada uma com seus próprios tipos, golpes e evoluções, o jogo oferecia uma profundidade incomum para títulos de portátil da época.

Além disso, o aspecto competitivo e social, com batalhas e trocas via cabo link, fez com que Pokémon se tornasse um fenômeno nos pátios das escolas e nos quartos dos jogadores.

O Legado

Pokémon Red não apenas ajudou a revitalizar as vendas do Game Boy, que já estava perdendo espaço para consoles mais modernos, como criou um fenômeno cultural global. Com o sucesso do jogo vieram o anime, os filmes, brinquedos, cartas e uma infinidade de produtos derivados. A franquia ultrapassou os videogames para se tornar um império do entretenimento, rivalizando com nomes como Star Wars e Harry Potter em receita e impacto cultural.

Hoje, Pokémon é uma das franquias mais lucrativas de todos os tempos, com mais de 400 milhões de jogos vendidos, e tudo começou com Pokémon Red, um jogo simples em aparência, mas grandioso em ambição e execução.

Veredito

Pokémon Red é mais do que um clássico do Game Boy: é um divisor de águas na história dos videogames. Sua criação foi um exemplo de inovação dentro das limitações técnicas da época, e seu sucesso foi essencial para a longevidade do portátil da Nintendo. Ao mesmo tempo, lançou as bases para uma das maiores franquias da cultura pop. Mesmo décadas depois, seu impacto ainda é sentido e continuará sendo por muito tempo.

Desert Strike (Mega Drive) - Helicópteros, guerra moderna e estratégia no auge dos 16 bits

Lançado em 1992 para o Mega Drive, Desert Strike: Return to the Gulf foi um marco inesperado nos jogos de ação com temática militar. Desenvolvido pela Electronic Arts, o jogo se destacou por fugir do tradicional estilo arcade frenético da época e apostar numa abordagem mais tática e estratégica, conquistando o público com uma jogabilidade inovadora e desafiadora.

Jogabilidade: Ação com cabeça

Ao assumir o controle de um helicóptero AH-64 Apache, o jogador deve cumprir diversas missões em cenários vastos inspirados pelo conflito do Golfo Pérsico. Diferente de outros jogos de tiro da época, Desert Strike exigia mais do que apenas reflexos rápidos: o gerenciamento de munição, combustível e armamento era fundamental para sobreviver. Missões como resgatar reféns, destruir instalações inimigas e interceptar comboios exigiam planejamento e atenção constante ao mapa tático. Essa combinação de ação e estratégia foi revolucionária para os padrões dos 16 bits.

Gráficos: Realismo e clareza

Os gráficos de Desert Strike foram elogiados na época pelo seu visual limpo e funcional. Utilizando uma perspectiva isométrica, o jogo apresentava cenários bem definidos, com um bom nível de detalhe para o hardware do Mega Drive. A animação dos veículos e explosões era competente, e os elementos como edifícios, inimigos e terrenos podiam ser facilmente identificados – algo crucial num jogo onde a navegação e precisão importam tanto quanto a mira.

Som: Funcional e imersivo

A trilha sonora de Desert Strike é discreta, mas eficaz. Ao invés de músicas constantes, o jogo opta por efeitos sonoros bem aplicados – o som do rotor do helicóptero, os disparos e explosões criam uma atmosfera tensa e realista. Essa escolha ajudava a manter o clima de simulação de combate e favorecia a imersão do jogador. Ainda que não marcante musicalmente, o som cumpria bem seu papel no conjunto da experiência.

Legado: Um sucesso duradouro

O sucesso de Desert Strike foi tão grande que gerou duas continuações diretas: Jungle Strike (1993) e Urban Strike (1994), ambas expandindo e refinando a fórmula original. O impacto foi tamanho que a série ainda sobreviveu à transição para a geração seguinte, com Soviet Strike e Nuclear Strike sendo lançados no PlayStation e no Sega Saturn.

O jogo também abriu portas para um novo tipo de narrativa e jogabilidade nos games de ação, influenciando outros títulos militares e táticos nas gerações seguintes.

Veredito

Desert Strike foi um divisor de águas no início dos anos 90. Ao mesclar combate aéreo com estratégia e uma ambientação realista, o jogo se destacou entre os títulos mais criativos e desafiadores do Mega Drive. Sua fórmula de sucesso rendeu uma série sólida e mostrou que jogos de ação podiam, e deviam ser mais do que apenas tiroteio desenfreado. Um clássico que merece ser lembrado e revisitado.