Cadillacs & Dinosaurs (Arcade CPS-1)

Lançado nos anos 90 para o sistema CPS-1, Cadillacs & Dinosaurs é um daqueles títulos que marcaram época nos fliperamas. Baseado no quadrinho Xenozoic Tales, o jogo trouxe uma mistura ousada de pancadaria clássica com um universo onde tecnologia e dinossauros coexistem, criando um cenário único para um beat ‘em up.

Gráficos

Visualmente, o jogo aproveita muito bem o hardware do CPS-1. Os personagens são grandes, bem animados e com bastante detalhe, transmitindo peso nos golpes e personalidade em cada protagonista. Os cenários variam entre cidades devastadas, florestas e áreas industriais, sempre cheios de elementos interativos e com dinossauros que surgem como aliados ou inimigos momentâneos, adicionando dinamismo às fases.

Som

A trilha sonora é empolgante e acompanha bem a ação acelerada, com músicas que alternam entre o clima urbano e a tensão das batalhas. Os efeitos sonoros dão vida aos socos, chutes e explosões, além dos rugidos dos dinossauros, que se tornam parte essencial da atmosfera. Embora limitado pelo hardware, o áudio é marcante e cumpre bem o papel de imersão.

Jogabilidade

Na jogabilidade, Cadillacs & Dinosaurs segue o estilo clássico do gênero, mas com algumas particularidades que o diferenciam. O sistema de combate é fluido, com combos simples, arremessos e a possibilidade de usar armas de fogo e explosivos, algo que tornava as lutas ainda mais intensas. A diversidade de inimigos, chefes desafiadores e a presença dos dinossauros, que podiam atacar tanto jogadores quanto vilões, adicionavam imprevisibilidade e mantinham o ritmo do jogo sempre empolgante.

Exclusividade no Arcade

Um ponto curioso é que, apesar de sua popularidade, o título permaneceu exclusivo dos arcades e nunca recebeu uma adaptação oficial para consoles ou PC. Isso ocorreu devido a questões de licenciamento da marca Cadillacs & Dinosaurs, que impediu sua distribuição fora das máquinas de fliperama. Essa exclusividade acabou transformando o jogo em uma verdadeira lenda dos salões de arcade, lembrado até hoje como um dos grandes clássicos que nunca saíram dessa plataforma.

Veredito

Mesmo em meio a uma era de ouro dos beat ‘em ups, Cadillacs & Dinosaurs conseguiu se destacar. Sua mistura de ambientação pós-apocalíptica, personagens carismáticos, armas variadas e a presença dos dinossauros criaram uma experiência única. Até hoje é considerado um dos melhores jogos do gênero, sendo lembrado com carinho pelos fãs como um símbolo de uma época em que os fliperamas eram o ponto de encontro da diversão.

Guerrilla War (Arcade)

Lançado pela SNK em 1987, Guerrilla War (ou apenas Guerrilla, como muitos o conhecem) é um dos títulos que ajudaram a consolidar a identidade da empresa na sua primeira fase. Antes de se tornar mundialmente reconhecida com séries como Fatal Fury, Metal Slug e King of Fighters, a SNK já mostrava sua habilidade em criar jogos de ação intensos e cheios de personalidade.

Enredo

O jogo coloca o jogador no papel de dois revolucionários (em algumas versões, inspirado em figuras históricas de guerrilha), que enfrentam um regime opressor em uma ilha fictícia. A missão é libertar civis, destruir instalações inimigas e derrubar o ditador que domina a região. Apesar de simples, o enredo deu ao jogo uma atmosfera diferente dos shooters comuns da época, trazendo uma narrativa de resistência e liberdade.

Gráficos

Para 1987, os gráficos de Guerrilla eram bastante impressionantes. A visão de cima para baixo permitia mostrar cenários variados, desde vilas tomadas por soldados até bases militares repletas de veículos blindados. As cores vibrantes ajudavam a diferenciar bem os elementos na tela, e a quantidade de inimigos simultâneos reforçava a sensação de caos e desafio. Embora não tenha o refinamento artístico que a SNK desenvolveria anos depois, já mostrava uma atenção especial ao design e variedade visual.

Som

A trilha sonora é enérgica e cumpre bem o papel de embalar a ação frenética. Os efeitos sonoros, como tiros, explosões e gritos dos inimigos, dão peso à jogabilidade, ainda que sejam limitados pela tecnologia arcade da época. Era um áudio funcional, mas que ajudava na imersão da batalha.

Jogabilidade

Aqui está o ponto mais forte do jogo. Guerrilla segue a fórmula dos run-and-gun clássicos: movimentação livre em oito direções, armas variadas e ação constante. O jogador precisa resgatar reféns, coletar armas e sobreviver a hordas de inimigos que atacam de todos os lados. A dificuldade é alta, característica comum dos arcades, mas o ritmo acelerado e os controles responsivos fazem com que a experiência seja divertida mesmo para quem precisa gastar várias fichas para progredir.

Importância e Port para NES

Além de ser um marco para a SNK em sua fase inicial, Guerrilla foi também um dos títulos escolhidos para ganhar uma adaptação no NES, o que ajudou a popularizar o jogo fora dos fliperamas. Essa versão, embora mais simples em gráficos e som, manteve a essência da jogabilidade e apresentou o título a uma nova geração de jogadores domésticos.

Veja o review da versão do NES aqui!

Veredito

Guerrilla pode não ser tão lembrado quanto os grandes clássicos da SNK, mas foi um jogo fundamental para mostrar a vocação da empresa em criar experiências de ação intensas. Com gráficos vibrantes, som enérgico e uma jogabilidade viciante, ele se firmou como um dos destaques do final dos anos 80 e permanece como um testemunho da fase formativa da SNK.

Samurai Shodown II (Neo Geo)

Lançado em 1994 para o poderoso hardware do Neo Geo, Samurai Shodown II (ou Samurai Spirits II, no Japão) é considerado por muitos o ponto alto da franquia da SNK. Após o sucesso do primeiro título, a sequência veio não apenas para refinar a fórmula, mas também para estabelecer novos padrões dentro do gênero de luta em 2D.

Inovações em relação ao antecessor

Enquanto o primeiro Samurai Shodown já se destacava pelo foco em combates com armas e pela atmosfera única, Samurai Shodown II expandiu esses conceitos de forma brilhante. Entre as novidades, destacam-se:

• Movimentação mais fluida: foram adicionadas novas técnicas de esquiva, como a rolagem para frente e para trás, além da possibilidade de aparar ataques do inimigo.

• Novos personagens: a SNK ampliou o elenco, trazendo lutadores memoráveis como Genjuro Kibagami, que rapidamente se tornou um dos favoritos dos fãs.

• Golpes especiais mais variados: os personagens receberam novos movimentos, tornando os estilos de luta ainda mais distintos.

Essas adições deram ao jogo uma profundidade que poucos títulos de luta da época conseguiam alcançar, elevando o fator competitivo.

Gráficos

Visualmente, Samurai Shodown II é um espetáculo. Os cenários são ainda mais detalhados, trazendo paisagens que misturam tradição japonesa com toques de fantasia, tudo animado com cores vibrantes e efeitos que destacam a atmosfera feudal do jogo. As sprites dos personagens são grandes, ricas em detalhes e com animações muito bem trabalhadas, transmitindo peso e impacto a cada golpe.

Som

A trilha sonora é um dos pontos altos da experiência. A SNK caprichou em faixas inspiradas na música tradicional japonesa, que se misturam perfeitamente com a ação intensa das lutas. Cada cenário tem sua própria identidade sonora, ajudando a reforçar a ambientação. Os efeitos sonoros também merecem destaque: o som das espadas se chocando é seco e impactante, dando a real sensação de duelo.

Jogabilidade

A jogabilidade é onde Samurai Shodown II brilha mais. O ritmo é cadenciado, com foco na estratégia e na precisão dos golpes, em contraste com outros jogos de luta mais rápidos da época. Isso faz com que cada ataque tenha peso e importância. O equilíbrio entre ofensiva e defesa é fundamental, e o jogo recompensa jogadores que sabem ler o adversário e escolher o momento certo para agir.

Além disso, a possibilidade de lutar desarmado, as mecânicas de esquiva e a variedade de estilos de cada personagem tornam cada partida única e desafiadora.

Veredito

Samurai Shodown II é mais do que apenas uma sequência, é a consolidação de uma ideia. A SNK conseguiu expandir e refinar todos os aspectos do original, entregando um jogo que se tornou referência em combates com armas no universo dos jogos de luta. Com gráficos belíssimos, trilha sonora marcante e jogabilidade profunda, o título permanece até hoje como um dos clássicos indiscutíveis do Neo Geo e uma obra-prima do gênero.

1943: The Battle of Midway (Arcade)

Lançado em 1987 pela Capcom, 1943: The Battle of Midway chegou aos arcades como uma sequência direta de 1942, um dos shooters verticais mais icônicos da primeira metade dos anos 80. Se o antecessor já havia conquistado espaço entre os jogadores pela jogabilidade viciante e simplicidade, 1943 representou um salto significativo, trazendo refinamentos técnicos e novas mecânicas que consolidaram de vez a série como referência no gênero.

Evolução em relação ao antecessor

Enquanto 1942 apostava em uma estrutura mais básica, com gráficos minimalistas e foco total na repetição de fases desafiadoras, 1943 introduziu uma carga maior de elementos estratégicos. Agora, além de derrotar ondas de inimigos, o jogador precisava gerenciar sua barra de energia, que diminuía tanto com ataques sofridos quanto com o simples passar do tempo. Essa mudança trouxe mais urgência à partida e obrigava a coletar constantemente power-ups para prolongar a sobrevivência.

Outra evolução marcante foi a inclusão de armas especiais, que permitiam alternar entre diferentes tipos de disparo, cada uma mais eficaz contra certos inimigos. Isso acrescentou variedade ao gameplay e reduziu a monotonia típica de shooters verticais da época.

Gráficos

O salto gráfico em relação a 1942 é evidente. 1943 trouxe sprites maiores, mais coloridos e detalhados, retratando aviões, navios e cenários com maior riqueza visual. A ambientação da Batalha de Midway, que inspira o jogo, é bem representada com porta-aviões, fortalezas aéreas e até efeitos de nuvens e ondas, algo incomum para shooters de sua época. Apesar da limitação técnica dos arcades de meados dos anos 80, o jogo conseguiu transmitir uma sensação mais “cinemática” em comparação ao antecessor.

Som

O áudio também recebeu atenção especial. Enquanto 1942 tinha trilha sonora limitada e repetitiva, 1943 apresentou músicas mais variadas e marcantes, combinando com o ritmo frenético da ação. Os efeitos sonoros, disparos, explosões e alarmes são mais claros e dão ao jogador uma sensação de imersão maior. Embora ainda simples pelos padrões atuais, o som cumpria perfeitamente o papel de intensificar a adrenalina.

Jogabilidade

A jogabilidade manteve o estilo de shooter vertical clássico, mas agora muito mais polido. Os controles são responsivos, permitindo desviar dos projéteis inimigos com precisão, e os novos elementos, como armas especiais e a barra de energia, tornam cada partida menos repetitiva. Além disso, a dificuldade foi ajustada: ainda desafiadora, mas menos punitiva do que 1942, tornando-se mais acessível e agradável para jogadores casuais e veteranos.

Veredito

1943: The Battle of Midway não foi apenas uma sequência, mas uma verdadeira evolução em relação ao clássico original. Melhorias gráficas, sonoras e mecânicas fizeram dele um dos shooters mais memoráveis da Capcom nos arcades dos anos 80. Sua jogabilidade equilibrada entre ação frenética e elementos estratégicos garantiu longevidade, e até hoje ele é lembrado como um marco dentro do gênero de shooters verticais.

Phelios (Arcade, 1989): Mitologia Grega com Tiros e Estilo

Lançado em 1989 pela Namco, Phelios foi uma das apostas da empresa em expandir seu catálogo de shooters verticais, numa época em que o gênero dominava os fliperamas. Mas, ao contrário dos cenários futuristas de outros títulos da época, como Xevious ou Galaga, Phelios se destacou por trazer uma ambientação mitológica, onde o jogador assume o papel do deus Apolo montado em Pégaso, lutando para resgatar a deusa Ártemis das garras do temível Titã Tifão.

Mesmo com certa obscuridade, Phelios marcou presença nos arcades japoneses e em alguns fliperamas ocidentais, e posteriormente ganhou uma versão para Mega Drive. Mas como ele se sustenta como jogo de arcade? Vamos analisar.

Gráficos

Para a época, Phelios entrega visuais impressionantes nos primeiros estágios. Os cenários, criaturas mitológicas e efeitos de magia são coloridos, detalhados e transmitem bem o clima épico da aventura. Chefes como Medusa, Cérbero e Escila são grandes e expressivos, com animações fluídas e design marcante.

No entanto, essa qualidade gráfica decai nas fases finais, especialmente no confronto com Tifão, cujo cenário parece inacabado, com sprites simplificados e paleta de cores pobre, destoando bastante do capricho inicial. Ainda assim, o estilo artístico ousado para um shooter, inspirado na Grécia Antiga, continua sendo um dos maiores méritos do jogo.

Som e Trilha Sonora

A trilha sonora de Phelios é orquestral, empolgante e atmosférica, dando um tom grandioso à jornada. As músicas variam entre o dramático e o heroico, com destaque para as faixas dos chefões, que contribuem para a tensão nos momentos decisivos.

Por outro lado, os efeitos sonoros são simples, com disparos e explosões pouco impactantes. As cutscenes entre as fases contam com falas digitalizadas, mas com vozes robóticas e entonação exagerada, o que acaba soando mais engraçado do que épico, ainda que isso adicione um charme kitsch ao pacote.

Jogabilidade

A base de Phelios é a tradicional do gênero shoot ‘em up vertical: enfrentar ondas de inimigos enquanto se desvia de tiros. A grande diferença está no sistema de “charge shot”, onde o jogador segura o botão de ataque para lançar um poderoso feixe de energia. Isso cria um ritmo de jogo mais tático, exigindo precisão e tempo, ao invés de apenas atirar freneticamente.

O jogo conta com 7 fases, cada uma finalizada com um chefe inspirado na mitologia grega. O desafio é bem calibrado nas primeiras fases, mas cresce abruptamente no final, com inimigos mais resistentes e padrões de ataque complexos. A batalha contra o chefão final, Tifão, é particularmente difícil e exige muito treino, o que pode frustrar jogadores casuais.

Criatividade e Ambientação

O grande diferencial de Phelios está na ambientação mitológica. Ver deuses gregos, monstros clássicos e um enredo digno de epopeia dentro de um shooter vertical era algo inédito na época. As cutscenes entre as fases ajudam a criar uma narrativa linear simples, mas funcional, que empurra o jogador adiante com motivações claras.

Esse universo mitológico, aliado ao estilo gráfico fantasioso, deu ao jogo uma identidade única, separando-o da multidão de shooters espaciais genéricos dos anos 80.

Veredito 

Phelios é um shooter ousado e carismático que tentou sair da mesmice dos fliperamas da época, apostando em mitologia, narrativa e uma mecânica de tiro carregado. Embora peque em consistência gráfica nas fases finais e tenha efeitos sonoros pouco inspirados, o jogo ainda se destaca por seu visual criativo, jogabilidade desafiadora e trilha sonora envolvente.

Para fãs de shmups ou jogos retrô com uma pegada única, Phelios é uma pérola curiosa que merece ser redescoberta.

Dungeons & Dragons: Shadow over Mystara (Arcade – CPS2)

Lançado em 1996 pela Capcom, Dungeons & Dragons: Shadow over Mystara é a sequência direta de Tower of Doom e um verdadeiro marco nos beat ‘em ups de arcade. Rodando na poderosa placa CPS-2, o jogo foi um divisor de águas por unir com maestria a ação frenética dos jogos de pancadaria com os elementos clássicos de RPG, oferecendo uma profundidade e complexidade raras no gênero. É um título que encantou tanto fãs de D&D quanto jogadores casuais dos fliperamas, e até hoje é lembrado com carinho por sua ousadia e qualidade técnica.

Inovação: RPG em plena pancadaria

A grande sacada de Shadow over Mystara foi incorporar mecânicas tipicamente RPGísticas em um ambiente de ação arcade. Aqui, não basta apenas bater e avançar: você evolui seu personagem, coleta itens, equipa armas e armaduras, utiliza magias variadas e faz escolhas que afetam o caminho da história. Cada classe disponível (como Clérigo, Mago, Elfo, Guerreiro, entre outras) possui características únicas, o que amplia o fator replay de forma impressionante.

Outro destaque é o sistema de níveis, onde os personagens ganham pontos de experiência e ficam mais fortes com o tempo — algo revolucionário para um beat ‘em up tradicional. Isso adiciona um senso de progressão que normalmente só se via em RPGs, deixando a experiência mais envolvente e estratégica.

Jogabilidade: técnica e estratégica

Ao contrário de outros jogos do gênero que valorizam a repetição de movimentos simples, Shadow over Mystara exige domínio de combos, uso tático de magias e itens e cooperação entre os jogadores. É possível jogar com até quatro pessoas ao mesmo tempo, e a sinergia entre as classes torna tudo ainda mais divertido e dinâmico.

Cada personagem possui ataques especiais, magias ou habilidades próprias, e o jogo oferece caminhos ramificados, permitindo diferentes finais e rotas, algo raro nos arcades. As batalhas contra chefes exigem atenção, uso inteligente de recursos e trabalho em equipe.

Gráficos: capricho visual da era CPS2

Visualmente, o jogo é um espetáculo. Aproveitando ao máximo os recursos da placa CPS-2, a Capcom criou sprites grandes, detalhados e bem animados. Os cenários são ricos, variando entre florestas, masmorras, cidades e templos, todos com uma atmosfera medieval envolvente. A arte remete diretamente aos livros e campanhas de Dungeons & Dragons, respeitando o lore e a estética clássica da franquia.

Som: atmosfera e nostalgia

A trilha sonora é intensa e heroica, com temas épicos que se adaptam ao clima de cada fase. Os efeitos sonoros são nítidos, desde os golpes até os encantamentos mágicos, e ajudam a criar uma ambientação rica e envolvente. Vozes digitalizadas também aparecem em momentos específicos, trazendo mais personalidade aos personagens e vilões.

Veredito: Um clássico eterno

Dungeons & Dragons: Shadow over Mystara não é apenas mais um beat ‘em up; é uma verdadeira celebração da fantasia medieval, com profundidade mecânica que poucos jogos de arcade conseguiram alcançar. Ele desafiou as convenções do gênero ao introduzir sistemas de progressão e escolhas, criando um híbrido entre ação e RPG que funciona incrivelmente bem.

Mesmo décadas após seu lançamento, continua sendo jogado em coletâneas e emuladores, e é considerado por muitos como o ápice dos beat ‘em ups da Capcom. Um clássico que merece ser redescoberto por qualquer fã de jogos retrô.

1942 – O Clássico de Guerra Aérea da Capcom

Lançado em 1984 para os arcades, 1942 é um dos grandes marcos da primeira geração de jogos da Capcom, ajudando a consolidar a empresa como um dos principais nomes da indústria dos videogames. Inspirado pelos intensos combates aéreos da Segunda Guerra Mundial, o jogo transporta o jogador para os céus do Pacífico, em uma jornada repleta de tiroteios, manobras evasivas e desafio constante.

Um clássico de sua era

Em uma época em que os jogos de tiro estavam se popularizando, 1942 se destacou pela sua proposta direta e viciante. Ao controlar um avião de combate Lockheed P-38 Lightning, o objetivo era simples, mas exigente: destruir os esquadrões inimigos japoneses enquanto se esquiva de uma enxurrada de balas e inimigos em formação.

Mesmo com gráficos simples para os padrões atuais, 1942 impressionava nos arcades com cenários bem definidos, sprites nítidos e uma ação visualmente fluida. Os aviões eram bem detalhados para a época, e a paleta de cores sóbria casava bem com o tema militar.

Sons e atmosfera

O design sonoro de 1942 também merece destaque. Apesar das limitações técnicas da época, os efeitos sonoros de tiros, explosões e alertas conseguiam transmitir uma sensação de urgência e tensão. A música de fundo, repetitiva e marcante, cumpria bem o papel de manter o jogador imerso no ritmo acelerado do jogo.

Jogabilidade desafiadora

A jogabilidade é simples de aprender, mas difícil de dominar. Com apenas dois botões, tiro e loop (uma manobra evasiva que permite escapar de situações perigosas), o jogo exige reflexos rápidos e um bom senso de posicionamento. A dificuldade crescente a cada fase é um dos maiores atrativos para fãs de desafios, fazendo com que 1942 seja um título que recompensa a persistência e a prática.

Onde jogar hoje

Mesmo décadas após seu lançamento, 1942 continua acessível. O jogo está disponível em diversas coletâneas da Capcom, como a Capcom Arcade Stadium (para Nintendo Switch, PlayStation 4, Xbox One e PC), e em emuladores que preservam a experiência original dos fliperamas. Além disso, versões adaptadas foram lançadas para consoles antigos como NES e até para dispositivos móveis, o que facilita ainda mais o acesso a essa relíquia dos anos 80.

Veredito

1942 é um daqueles jogos que definiram uma era. Simples, direto e desafiador, ele mostrou já nos primeiros anos da Capcom o potencial da produtora japonesa em criar experiências inesquecíveis. Para fãs de shmups (shoot ‘em ups), curiosos pela história dos videogames ou simplesmente apreciadores de clássicos arcade, revisitar 1942 é sempre um bom voo rumo à nostalgia.

Dragon Ball FighterZ (PS4/Xbox /Switch ) – Um Kamehameha de qualidade!

Quando falamos em jogos baseados em Dragon Ball, a expectativa sempre é alta, principalmente por conta da base de fãs apaixonada e exigente. Em 2018, Dragon Ball FighterZ chegou ao PlayStation 4 e surpreendeu o público e a crítica, não só como um ótimo jogo da franquia, mas como um dos melhores jogos de luta daquela geração.

Lançamento e Produção

Desenvolvido pela Arc System Works (conhecida pela série Guilty Gear e BlazBlue) e publicado pela Bandai Namco, Dragon Ball FighterZ foi lançado em janeiro de 2018. A decisão de colocar a Arc System Works no comando foi certeira: o estúdio trouxe sua experiência com jogos de luta em 2D e aplicou com maestria ao universo de Akira Toriyama.

O visual, feito com a técnica cel-shading, dá a sensação de estar controlando um episódio do anime em tempo real, algo que nenhum outro jogo da série havia conseguido com tanto sucesso até então.

Jogabilidade

A jogabilidade de FighterZ é acessível, mas com profundidade para jogadores mais experientes. Os comandos são intuitivos e facilitam a entrada de novatos no gênero de luta, com combos automáticos e movimentação fluida. Ao mesmo tempo, há um sistema de 3 contra 3, onde é possível alternar entre os personagens durante a luta, realizar assistências e usar estratégias combinadas, um prato cheio para o competitivo.

Os controles são responsivos e os combates são intensos, cheios de explosões, poderes e transições cinematográficas que fazem jus ao anime. Cada personagem tem seu estilo único de luta e golpes icônicos recriados com fidelidade absurda.

Gráficos e Estilo Visual

Um dos maiores destaques de FighterZ é o seu visual. A arte em 2.5D com animações que imitam quadro a quadro o estilo do anime é simplesmente deslumbrante. Cada ataque especial, como o Kamehameha de Goku ou o Final Flash de Vegeta, é uma cena de espetáculo à parte. Os detalhes nas expressões dos personagens e nas explosões mostram o cuidado extremo com a estética original da obra.

Som e Trilha Sonora

A trilha sonora é energética e combina perfeitamente com o ritmo acelerado das batalhas. Além disso, o jogo oferece dublagem em japonês e inglês, com as vozes originais dos animes, algo que agradou bastante os fãs. Os efeitos sonoros dos ataques e transformações são fiéis e imersivos, fazendo o jogador sentir o peso de cada golpe.

Impacto e Recepção

Dragon Ball FighterZ foi um sucesso imediato. Recebeu críticas extremamente positivas, sendo elogiado por trazer uma abordagem mais técnica e competitiva aos jogos de Dragon Ball, sem perder o carisma e o apelo visual da franquia. Foi amplamente jogado em torneios de eSports como o EVO, algo inédito para a franquia até então.

O jogo também teve grande impacto na comunidade de jogos de luta, sendo elogiado até por jogadores veteranos de títulos como Street Fighter e Tekken.

Veredito:

Sem dúvida, Dragon Ball FighterZ ainda é um dos melhores jogos de luta da atualidade e uma das melhores experiências já criadas dentro do universo Dragon Ball. Com uma jogabilidade acessível, gráficos incríveis e fidelidade ao anime, o jogo é recomendado tanto para fãs de longa data quanto para jogadores casuais que buscam diversão de qualidade.

Street Fighter IV (PS3 e Xbox 360) – O Renascimento dos Jogos de Luta

Lançado em 2008 nos arcades japoneses e em 2009 para PlayStation 3 e Xbox 360, Street Fighter IV marcou o grandioso retorno de uma das franquias mais icônicas da história dos videogames. Após anos de ausência relevante nos consoles, a Capcom surpreendeu fãs e críticos ao trazer de volta a essência dos jogos de luta em 2D com uma roupagem moderna e ousada, e com isso, reacendeu uma chama que parecia apagada no gênero.

O Retorno Triunfal de uma Lenda

Durante os anos 2000, os jogos de luta pareciam ter perdido fôlego diante de outros gêneros em ascensão. A Capcom, ciente da importância histórica de Street Fighter, confiou o renascimento da franquia a Yoshinori Ono, produtor que se tornou figura central nesse novo capítulo. Sob sua liderança, Street Fighter IV não apenas honrou o legado da série, como também foi responsável por revitalizar todo o cenário competitivo de jogos de luta.

O jogo trouxe de volta personagens clássicos como Ryu, Ken, Chun-Li e Guile, ao mesmo tempo em que introduziu novos combatentes, como o brutal Abel, a elegante Crimson Viper e o carismático El Fuerte. A nostalgia e a inovação andaram lado a lado, conquistando tanto os veteranos quanto uma nova geração de jogadores.

Gráficos: 3D com Alma 2D

Uma das maiores inovações de Street Fighter IV foi o uso de gráficos tridimensionais sobre uma jogabilidade em 2D, o chamado estilo “2.5D”. Esse design visual combinou a modernidade dos modelos 3D com a dinâmica clássica dos jogos de luta bidimensionais. Os personagens e cenários foram cuidadosamente animados com diversas camadas e efeitos de pinceladas e tinta que lembram caligrafia japonesa, conferindo ao jogo uma identidade artística única, quase como uma pintura em movimento.

As expressões exageradas nos ataques especiais, as explosões de tinta nos Ultra Combos, e os detalhes dos cenários repletos de movimento e vida adicionaram profundidade estética e tornaram o jogo visualmente marcante.

Jogabilidade: O Clássico Nunca Sai de Moda

Apesar do salto gráfico, a Capcom fez questão de manter o sistema de combate fiel às raízes: um plano 2D com comandos clássicos, voltados para a precisão, o timing e a estratégia. A introdução do sistema de Focus Attack permitiu novas possibilidades táticas, oferecendo profundidade adicional tanto para novatos quanto para veteranos.

Com um equilíbrio notável entre acessibilidade e complexidade, Street Fighter IV se tornou o novo padrão ouro dos jogos de luta da época. Era fácil de aprender, mas dominá-lo exigia dedicação, um verdadeiro prato cheio para a cena competitiva, que voltou a florescer em campeonatos pelo mundo todo, como o EVO (Evolution Championship Series).

Som: Pancadas com Personalidade

A trilha sonora de Street Fighter IV fez um excelente trabalho ao misturar temas clássicos com composições novas. A música tema “The Next Door – Indestructible” se tornou icônica, simbolizando o retorno épico da franquia. Cada personagem possuía trilhas próprias que refletiam sua nacionalidade e estilo, além de efeitos sonoros que davam peso a cada golpe, tornando o combate mais visceral e satisfatório.

As dublagens também foram bem produzidas, com a opção de áudio em japonês ou inglês, o que agradou diferentes perfis de fãs ao redor do mundo.

Veredito: Um Marco que Salvou um Gênero

Street Fighter IV não foi apenas um bom jogo, ele foi um divisor de águas. Criado com paixão, respeito ao legado e um olhar voltado ao futuro, este título revitalizou uma franquia adormecida e, mais do que isso, trouxe os jogos de luta de volta ao centro das atenções no mundo dos games. A Capcom acertou em cheio ao equilibrar nostalgia e inovação, criando uma obra que pavimentou o caminho para uma nova era de competições, comunidades e lançamentos de peso no gênero.

X-Men vs. Street Fighter (Arcade - CPS 2) – 1996 - O Início de Uma Era de Crossovers Épicos

Em 1996, a Capcom surpreendeu o mundo dos videogames ao lançar X-Men vs. Street Fighter nos arcades japoneses, marcando o primeiro capítulo da hoje lendária série "Versus". Unindo personagens dos populares quadrinhos da Marvel com os icônicos lutadores de sua consagrada franquia Street Fighter, a Capcom estabeleceu um novo paradigma para os jogos de luta, caótico, colorido e absolutamente empolgante.

A Gênese do Cross-Over: A Influência dos Títulos Anteriores

Antes de X-Men vs. Street Fighter, a Capcom já vinha experimentando o universo dos super-heróis em jogos de luta. Tudo começou com X-Men: Children of the Atom (1994), que trouxe os mutantes da Marvel em combates intensos com visuais vibrantes e uma jogabilidade inspirada em Street Fighter II, porém mais acelerada e acrobática. Em seguida, Marvel Super Heroes (1995) expandiu ainda mais esse estilo, introduzindo personagens além dos X-Men e mecânicas únicas como as "Infinity Gems".

Paralelamente, a série Street Fighter Alpha, também lançada na metade da década de 90, renovava a franquia de Ryu e companhia com visuais em estilo anime, combos aéreos e movimentos mais fluídos. Foi justamente essa convergência de ideias, a ação explosiva dos jogos Marvel e a técnica refinada de Alpha – que serviu de base para X-Men vs. Street Fighter.

Gráficos: Um Espetáculo de Cores e Animações

Visualmente, X-Men vs. Street Fighter foi um salto notável. Os sprites dos personagens eram grandes, ricamente detalhados e extremamente bem animados. Os X-Men mantiveram seu visual dos jogos anteriores, com Magneto, Wolverine, Storm e outros parecendo ter saído direto dos quadrinhos ou do desenho animado dos anos 90. Já os personagens de Street Fighter foram redesenhados para combinar com esse estilo, o que resultou em uma harmonia estética impressionante.

Os cenários também eram vibrantes, cheios de vida e com elementos em movimento, reforçando a sensação de um mundo super-heróico e exagerado, onde tudo era possível.

Jogabilidade: Onde o Caos se Torna Arte

A grande inovação de X-Men vs. Street Fighter foi o sistema "Tag Team": em vez de lutas um contra um, os jogadores escolhiam dois personagens e podiam trocá-los durante o combate. Isso adicionava uma camada estratégica nova e permitia combos combinados espetaculares. Os famosos "Hyper Combos" estavam mais frenéticos do que nunca, e com a mecânica de "Variable Combination", era possível ativar os especiais de ambos os personagens ao mesmo tempo, enchendo a tela de explosões, raios, chamas e energia pura.

Era um jogo rápido, acessível, e ainda assim técnico, especialmente para quem queria dominar os "air combos", "guard cancels", e infinitos (glitches que, curiosamente, se tornaram parte do charme competitivo do jogo).

Som: Uma Trilha e Efeitos de Impacto

A trilha sonora seguia o estilo animado e energético da Capcom da época, com faixas eletrônicas e temas remixados dos personagens de Street Fighter. Os efeitos sonoros, por sua vez, eram exagerados e satisfatórios – cada golpe tinha impacto, cada especial tinha um som único que dava peso ao movimento. As vozes dos personagens adicionavam personalidade às batalhas, com gritos icônicos como o “BERSERKER BARRAGE!” de Wolverine ou o clássico “SHORYUKEN!” de Ryu.

Impacto e Legado: O Começo de Uma Dinastia

O sucesso nos arcades foi instantâneo. Jogadores se encantaram com a ideia de ver Ryu enfrentando Cyclops, ou Chun-Li duelando com Rogue. Essa receptividade pavimentou o caminho para uma sequência de crossovers que se tornariam clássicos por mérito próprio:

• Marvel Super Heroes vs. Street Fighter (1997)

• Marvel vs. Capcom: Clash of Super Heroes (1998)

• Marvel vs. Capcom 2 (2000)

• Marvel vs. Capcom 3 (2011)

• Ultimate Marvel vs. Capcom 3 (2011)

• Marvel vs. Capcom: Infinite (2017)

Cada novo título expandiu o elenco, mecânicas e alcance, chegando a consoles domésticos e torneios de eSports ao redor do mundo. Mesmo décadas depois, X-Men vs. Street Fighter é lembrado com carinho por fãs e ainda é jogado em competições retrô.

Veredito

X-Men vs. Street Fighter não foi apenas um jogo de luta, foi um marco na cultura gamer. Ele ousou misturar universos e estabeleceu um estilo próprio, repleto de exagero, velocidade e diversão pura. É um jogo que ainda hoje, quase 30 anos depois, impressiona pelo seu carisma e pela ousadia criativa da Capcom.

Se você é fã de jogos de luta, de quadrinhos ou simplesmente da era de ouro dos arcades, revisitar X-Men vs. Street Fighter é revisitar um pedaço essencial da história dos videogames.