Klonoa (PlayStation) – Uma joia do platforming em 2.5D

Lançado para o PlayStation, Klonoa: Door to Phantomile rapidamente se destacou como um título encantador dentro do gênero de plataforma. Combinando uma estética única, trilha sonora cativante e jogabilidade intuitiva, o jogo consegue equilibrar desafio e diversão de maneira exemplar.

Gráficos

Um dos grandes destaques de Klonoa são seus gráficos. O jogo utiliza um estilo 2.5D, mesclando cenários tridimensionais com movimento lateral clássico de plataforma. Isso permite que o jogador explore ambientes ricos e detalhados, com efeitos visuais impressionantes para a época. Personagens e inimigos possuem design cartunesco e carismático, enquanto os cenários variam entre florestas encantadas, castelos místicos e mundos surreais que realmente reforçam a sensação de aventura.

Jogabilidade

A jogabilidade de Klonoa é fluida e divertida. O jogador controla Klonoa, que pode pular, planar com suas orelhas e capturar inimigos usando seu anel de vento para lançá-los como projéteis ou alcançar áreas distantes. Essa mecânica de capturar e arremessar inimigos é central para a resolução de puzzles e progressão nos níveis, adicionando uma camada estratégica ao simples ato de correr e pular. Além disso, o jogo apresenta fases bem construídas, com desafios graduais que mantêm o jogador engajado sem jamais se tornar frustrante.

Veredito

Klonoa é um exemplo de como um jogo pode ser visualmente encantador e, ao mesmo tempo, divertido de jogar. Seu design de mundo criativo, personagens cativantes e mecânicas únicas de plataforma fazem dele uma experiência memorável no catálogo do PlayStation. Um verdadeiro clássico que continua relevante para fãs de jogos de plataforma até hoje.

Castlevania: Symphony of the Night (PlayStation 1)

Lançado em 1997 para o PlayStation, Castlevania: Symphony of the Night é um daqueles jogos que marcaram época e se tornaram referência não apenas dentro da franquia, mas em todo o cenário dos games. Em um período em que o 3D começava a dominar as prateleiras, a Konami fez uma escolha ousada ao apostar em um título totalmente em 2D, mostrando que a profundidade e a qualidade de um jogo não dependem exclusivamente de gráficos tridimensionais.

Gráficos

Enquanto muitos estúdios migravam para o 3D, Symphony of the Night se manteve fiel ao estilo bidimensional, mas elevou o padrão do gênero a um novo patamar. O jogo apresenta sprites detalhados, cenários góticos ricamente construídos e animações fluidas que reforçam a atmosfera sombria e elegante do castelo de Drácula. Essa decisão não só preservou a identidade da série como também envelheceu muito bem: até hoje, os visuais impressionam pela riqueza artística e pela clareza, superando vários jogos 3D da época que não resistiram ao teste do tempo.

Som

Se os gráficos são memoráveis, a trilha sonora é simplesmente lendária. Com composições que mesclam rock, música clássica e tons sombrios, o jogo oferece uma experiência auditiva única. Cada área do castelo tem sua própria música, que não apenas ambienta, mas também gruda na memória. É difícil falar de Symphony of the Night sem destacar faixas que se tornaram atemporais, transformando o jogo em uma verdadeira obra-prima sonora. Além disso, os efeitos sonoros, como os ecos dos corredores e os golpes das armas, reforçam a imersão.

Jogabilidade

É na jogabilidade que o jogo realmente revolucionou. Symphony of the Night trouxe uma abordagem não-linear, permitindo ao jogador explorar o castelo de forma mais livre, desbloqueando áreas conforme adquiria novos poderes e habilidades. Essa fórmula deu origem (ou melhor, consolidou) ao estilo que hoje conhecemos como Metroidvania, combinando exploração, progressão de personagem e combate dinâmico. A variedade de armas, magias e itens, somada ao sistema de evolução por experiência, trouxe profundidade e replayability ao título.

Veredito

Castlevania: Symphony of the Night não é apenas um clássico do PlayStation 1, mas também um divisor de águas na história dos videogames. Com gráficos 2D que desafiaram a tendência da época, uma trilha sonora inesquecível e uma jogabilidade inovadora, ele se consagrou como um dos melhores jogos de todos os tempos. Mais do que envelhecer bem, o jogo se mantém como referência obrigatória quando falamos em qualidade e criatividade no mundo dos games.

Um verdadeiro marco que continua encantando veteranos e novos jogadores.

Resident Evil Director’s Cut – PlayStation

 

Quando a Capcom lançou Resident Evil em 1996 para o PlayStation, o título redefiniu o gênero do survival horror, trazendo tensão, atmosfera pesada e um enredo digno de filme de terror B. No entanto, pouco mais de um ano depois, em 1997, foi lançado o Resident Evil Director’s Cut, uma versão especial que buscava dar um novo fôlego ao jogo, incluindo novidades e melhorias em relação ao original.

Melhorias em relação ao original

O Director’s Cut trouxe três modos distintos de jogo: Original, Arranged e Beginner.

• O Original mantém a experiência idêntica à de 1996, preservando o desafio clássico.

• O Arranged Mode muda completamente a posição de itens, inimigos e até mesmo das armas, criando um fator surpresa até para quem já dominava o jogo. Além disso, alguns personagens receberam roupas alternativas.

• Já o Beginner Mode foi pensado para jogadores que desejavam experimentar a história sem tanta frustração, reduzindo a dificuldade.

Essa variedade foi um grande atrativo, dando longevidade ao título e ampliando o público que poderia aproveitá-lo.

Gráficos

Visualmente, o Director’s Cut não trouxe grandes avanços gráficos em relação ao jogo original, já que se tratava essencialmente da mesma base. Ainda assim, a atmosfera continua impressionando: os cenários pré-renderizados transmitem uma sensação de isolamento e tensão constante, e os modelos dos personagens, embora limitados pelo hardware do PlayStation, cumprem bem seu papel.

Vale lembrar que, na época, o jogo já se destacava pela cinematografia e pelos ângulos de câmera fixos, que ajudavam a intensificar o suspense. Mesmo sem alterações técnicas significativas, a direção artística mantém o charme sombrio que marcou o primeiro título.

Som

No quesito sonoro, o jogo manteve os efeitos assustadores que já eram marca registrada: o som de passos ecoando nos corredores, portas rangendo e gemidos distantes de zumbis continuam eficazes em criar tensão. Porém, existe uma curiosidade: a trilha sonora da versão Dual Shock (também considerada uma edição do Director’s Cut) foi alvo de críticas, já que a música regravada por Mamoru Samuragochi foi considerada de qualidade inferior e menos atmosférica. Ainda assim, a versão original preserva o peso e a ambientação que ajudaram a consolidar o clima de terror.

Jogabilidade

A jogabilidade manteve o estilo “tanque”, característico da série inicial, que exige prática e paciência do jogador. Isso significa que movimentar-se exige precisão, mas ao mesmo tempo reforça a tensão, já que cada confronto parece mais arriscado.

A adição do modo Arranged muda bastante a experiência: não dá para confiar na memória para atravessar a mansão, e o jogo constantemente surpreende. Isso dá uma sobrevida significativa a quem já havia explorado cada canto do original.

Veredito

Resident Evil Director’s Cut é mais do que uma simples reedição: é uma forma de reviver um dos maiores clássicos do PlayStation sob diferentes perspectivas. Apesar de não trazer evoluções gráficas ou sonoras significativas, os novos modos de jogo acrescentam variedade e aumentam o fator replay.

Para quem jogou o original, ele oferece uma experiência renovada; para quem nunca tinha encarado o terror da Mansão Spencer, essa versão foi, durante anos, a melhor porta de entrada para o universo de Resident Evil.

Um clássico obrigatório para os fãs do survival horror e uma peça fundamental da história dos videogames.

Final Fantasy VII (PlayStation 1)

Lançado em 1997 para o PlayStation 1, Final Fantasy VII não é apenas mais um título da icônica franquia da Square (hoje Square Enix), é um marco na história dos videogames. Considerado por muitos como um dos melhores jogos já lançados, o sétimo capítulo trouxe inovações que redefiniram o gênero RPG e ajudaram a consolidar o sucesso do PlayStation no mercado mundial.

Gráficos

FFVII foi o primeiro jogo da série a utilizar gráficos 3D, trazendo cenários pré-renderizados combinados com personagens poligonais. Para a época, isso representava um salto gigantesco em comparação aos jogos anteriores, que ainda seguiam o estilo 2D. As cutscenes em CGI impressionaram jogadores e críticos, com momentos icônicos que ficaram gravados na memória, como a introdução em Midgar ou a famosa cena da floricultura de Aerith. Apesar de hoje parecerem datados, os gráficos marcaram um divisor de águas, mostrando até onde a tecnologia poderia levar os RPGs.

Som

A trilha sonora composta por Nobuo Uematsu é um espetáculo à parte. Cada faixa traduz perfeitamente o clima do jogo, indo de músicas melancólicas a temas épicos de batalha. Quem jogou certamente se lembra de faixas inesquecíveis como o tema de Aerith, a One-Winged Angel de Sephiroth ou o tema de abertura em Midgar. Mesmo com as limitações do hardware do PS1, a sonoridade de FFVII criou uma atmosfera única e permanece até hoje como uma das trilhas mais celebradas da história dos games.

Jogabilidade

No quesito jogabilidade, Final Fantasy VII trouxe o sistema ATB (Active Time Battle) já conhecido, mas com adições que ampliaram a profundidade estratégica, como o sistema de Materias, que permitia customizar magias, habilidades e invocações. A exploração por um vasto mapa-múndi, minigames variados (como o Gold Saucer) e momentos de ação diversificados mostravam a riqueza do design. Além disso, a narrativa cinematográfica e os personagens carismáticos elevaram a experiência a um novo patamar, envolvendo o jogador em uma trama de conspirações, amizades e sacrifícios.

Veredito

Final Fantasy VII não foi apenas mais um RPG de sucesso: foi um divisor de águas para a franquia e para toda a indústria. Seus gráficos em 3D, a trilha sonora memorável e a jogabilidade envolvente o transformaram em um clássico atemporal. Até hoje, continua sendo revisitado em remakes, spin-offs e coleções, provando que sua importância transcende gerações.

Um jogo que marcou época e que permanece como um dos maiores RPGs já lançados.

Yu-Gi-Oh! Forbidden Memories (PS1)

Lançado para o PlayStation em 1999, Yu-Gi-Oh! Forbidden Memories trouxe para os fãs do anime e do card game uma experiência única, mas bem diferente do que muitos conhecem da versão oficial de cartas. O jogo se destacou por misturar a temática do duelo de monstros com mecânicas próprias, que tornaram a experiência marcante e, ao mesmo tempo, desafiadora.

Gráficos

Para os padrões do PS1, os gráficos cumprem bem seu papel. As artes das cartas são simples, mas fiéis ao espírito da série. O grande destaque está nas animações das batalhas, que exibem os monstros em 3D quando entram em combate. Apesar de não serem muito detalhadas, essas animações davam um charme extra e aumentavam a sensação de imersão nos duelos. O cenário também alterna entre ambientes do Egito Antigo e locais modernos, criando uma atmosfera curiosa e envolvente.

Som

A trilha sonora é atmosférica e combina bem com a proposta. Músicas tensas acompanham os duelos, enquanto melodias mais misteriosas reforçam a temática egípcia da história. Os efeitos sonoros são básicos, mas eficazes: cada invocação e ataque possui um som distinto, que ajuda a dar identidade aos monstros, mesmo que o hardware limitasse a variedade.

Jogabilidade

É aqui que o jogo realmente se destaca, mas também divide opiniões. Diferente do card game oficial, Forbidden Memories criou suas próprias regras:

• Fusões: o jogador podia combinar cartas diretamente na mão, testando combinações para criar monstros mais poderosos. Descobrir as fusões era parte essencial da estratégia, mas também exigia muita tentativa e erro.

• Cartas mágicas e armadilhas: mesmo com menos complexidade que o jogo de cartas real, elas já adicionavam camadas estratégicas, podendo virar o rumo de um duelo.

• Sistema simplificado: não havia pontos de magia ou sacrifícios para monstros de nível alto, o que tornava o jogo mais dinâmico, porém menos fiel às regras que os fãs viriam a conhecer depois.

Apesar das diferenças, o sistema cativava justamente por sua singularidade. O desafio era alto, já que os oponentes controlados pelo jogo tinham baralhos fortes e, muitas vezes, dependia-se de sorte e conhecimento das fusões para avançar.

Veredito 

Yu-Gi-Oh! Forbidden Memories no PS1 é um título peculiar. Seus gráficos e sons entregam uma boa atmosfera para a época, mas é na jogabilidade única que ele marcou os jogadores. Mesmo distante das regras oficiais do card game, sua mecânica de fusões e estratégias com cartas mágicas fez dele um jogo memorável e, até hoje, cultuado pelos fãs.

Final Doom (PlayStation)

Quando o Final Doom chegou ao PlayStation em 1996, ele trouxe consigo o peso do legado já consolidado de Doom e Doom II, mas também a responsabilidade de manter viva a chama do gênero que ajudou a popularizar os jogos de tiro em primeira pessoa nos consoles. A versão para o PS1 não foi apenas uma conversão apressada: ela recebeu cuidados especiais que a tornam memorável até hoje.

Gráficos

No PlayStation, Final Doom herdou o mesmo motor gráfico da versão de Doom já lançada para o console. Apesar de limitado em comparação ao que se via no PC, o jogo trouxe texturas limpas, sprites bem definidos e cenários com iluminação dinâmica, algo que se destacava para os padrões da época. O efeito de névoa e o uso mais inteligente das cores ajudaram a criar uma atmosfera ainda mais sombria, que combinava perfeitamente com a proposta de terror e ação do jogo.

Som

A trilha sonora é um dos pontos mais marcantes desta versão. Diferente do estilo mais “rock pesado” das músicas originais do PC, o PS1 trouxe composições atmosféricas, quase industriais, que intensificavam a sensação de claustrofobia e tensão. Esse detalhe deu uma nova identidade ao jogo, tornando-o mais voltado para o suspense do que para a pura ação. Os efeitos sonoros também se beneficiaram do hardware do console, com grunhidos de monstros e tiros que soavam mais realistas e pesados.

Jogabilidade

A jogabilidade manteve a essência clássica de Doom: correr, atirar e sobreviver. A adaptação para o controle do PlayStation foi eficiente, embora a ausência de dois analógicos (que só se popularizariam mais tarde) limitasse a precisão. Ainda assim, o game era rápido, responsivo e mantinha a adrenalina das batalhas intensas contra hordas de inimigos. Além disso, o cartucho de níveis de Final Doom oferecia novos desafios, muitos deles ainda mais difíceis e labirínticos, pensados para jogadores veteranos.

Recepção na época

Na época de seu lançamento, Final Doom para PS1 foi bem recebido pela crítica e pelos fãs, mas também já enfrentava um mercado em transição. Jogos em 3D mais avançados estavam surgindo, e alguns viam Doom como algo ultrapassado visualmente. Ainda assim, o jogo foi elogiado pela atmosfera, pela excelente trilha sonora da versão de PlayStation e pela quantidade de conteúdo oferecido. Para muitos, ele se tornou o pacote definitivo de Doom no console da Sony.

Veredito 

Final Doom no PlayStation é mais do que uma simples coletânea de fases extras: é uma versão que soube aproveitar o hardware para criar uma identidade única, principalmente com seu clima sonoro. Embora já não tivesse o mesmo impacto revolucionário do primeiro Doom, conseguiu se destacar e marcar presença na biblioteca do console como uma das melhores experiências de FPS daquela geração.

Fatal Fury: Wild Ambition (PS1) – A Primeira Aventura 3D da Série

Quando a SNK decidiu levar a icônica série Fatal Fury para o mundo dos gráficos tridimensionais, o resultado foi Fatal Fury: Wild Ambition, lançado para PlayStation 1 no final dos anos 90. Este jogo representa um marco curioso na história da franquia: é a única conversão para consoles de mesa e também a primeira tentativa da série de mergulhar no universo 3D, mantendo a essência dos combates que tornaram Fatal Fury famosa nos arcades e nos consoles 2D.

Gráficos

Wild Ambition trouxe os personagens que os fãs já conheciam para um novo espaço tridimensional, com modelos em 3D poligonais, cenários detalhados e animações relativamente suaves para o PS1. Apesar das limitações técnicas do console, os movimentos dos personagens e os efeitos de golpes especiais capturam bem a essência da série. É possível notar, no entanto, algumas texturas simplificadas e cenários menos interativos, características típicas das primeiras experiências em 3D nos consoles da época.

Neste quesito, o visual de Wild Ambition se mostra meio datado, justamente pelas texturas simplificadas, na época em que foi lançado, já existiam jogos como Takken 3 e Soul Blade, que se apresentavam bem mais bonitos.

Jogabilidade

A jogabilidade mantém o espírito de Fatal Fury, com golpes clássicos, especiais e combos, o visual é todo em 3D, mas os controles e a jogabildiade se assimilam aos jogos 2D da época.Apesar de não ter revolucionado o gênero, Wild Ambition proporciona lutas fluidas e acessíveis, equilibrando nostalgia e inovação.

O curioso de Wild Ambition, é que a série Fatal Fury, sempre flertou com o ambiente 3D, como por exemplo a série Real Bout que possui 3 planos de batalha no Cenãrio, mas quando a série migrou para o 3D estevelemento foi totalmente ignorado, e decidiram tornar o jogo mais 2D possível.

Som e Trilha Sonora

O jogo traz trilha sonora eletrônica típica da SNK, com temas intensos para cada personagem e efeitos sonoros impactantes nos golpes. O áudio mantém a atmosfera arcade, e mesmo com as limitações do PS1, a experiência sonora complementa bem a ação em tela.

Veredito

Fatal Fury: Wild Ambition é um título curioso e relevante para qualquer fã da série ou apreciador de jogos de luta clássicos. Embora não tenha alcançado a popularidade de outros títulos 3D da época, ele se destaca por ser a única versão do jogo para consoles de mesa e por introduzir a série ao universo tridimensional. Para quem quer revisitar a franquia de um jeito diferente ou conhecer suas raízes em 3D, Wild Ambition é uma experiência interessante, apesar de não ser a mais bonita de sua época.

Warcraft II: Tides of Darkness – Do PC para o PlayStation

Quando pensamos em Warcraft II, a primeira imagem que vem à mente é a de hordas de orcs e humanos batalhando em campos estratégicos, tudo isso na clássica visão isométrica do PC. Lançado originalmente em 1995 para PC, o jogo conquistou rapidamente os fãs de RTS (Real-Time Strategy) com sua jogabilidade viciante e enredo envolvente. Em 1999, a Blizzard trouxe o título para o PlayStation, adaptando o jogo para os consoles e oferecendo uma experiência diferente, mas fiel às suas raízes.

Gráficos

Na transição do PC para o PlayStation, Warcraft II manteve grande parte de seu charme visual, mas precisou sofrer algumas adaptações. O jogo apresenta sprites detalhados e animações fluidas, mesmo considerando as limitações do console. O design das unidades e construções continua carismático, com cada raça mantendo sua identidade visual bem marcada.

O principal desafio foi adaptar a interface de estratégia para o controle, o que resultou em menus simplificados e uma câmera mais fixa, mas ainda assim funcional para a época.

Som

O som em Warcraft II no PlayStation mantém a trilha sonora épica, composta por melodias que reforçam o clima de guerra e exploração. Os efeitos sonoros das batalhas são satisfatórios: o clangor das espadas, explosões de catapultas e os gritos de batalha das unidades estão presentes, embora em qualidade ligeiramente inferior ao PC devido às limitações do CD do PlayStation. A dublagem é inexistente, mas as mensagens de alerta em texto cumprem bem seu papel.

Jogabilidade

A maior mudança para o PlayStation foi a adaptação do controle analógico para comandar as unidades, substituindo o mouse. Inicialmente, isso pode parecer estranho, mas com o tempo, os jogadores se acostumam. O jogo mantém o modo campanha, com missões para humanos e orcs, e a essência estratégica intacta: coletar recursos, construir bases, treinar unidades e conquistar o inimigo.
Infelizmente, algumas funcionalidades do PC, como multiplayer local em rede ou partidas rápidas, não foram totalmente implementadas, o que limita um pouco a rejogabilidade.

Origens do PC

É importante destacar que o PlayStation trouxe o jogo para um público novo, mas suas raízes no PC são evidentes. Warcraft II nasceu como um marco do gênero RTS, introduzindo mecânicas que seriam base para futuros sucessos da Blizzard, como Warcraft III e StarCraft. O console oferece uma experiência mais acessível para quem não tinha um computador poderoso na época, mas ainda preserva a essência do clássico.

Conclusão

Apesar das limitações do PlayStation, Warcraft II consegue recriar a magia do original de PC, oferecendo gráficos simpáticos, som épico e jogabilidade estratégica. Não é a versão mais prática para longas sessões, mas para fãs de RTS e curiosos sobre a história dos jogos de estratégia, é uma excelente oportunidade de vivenciar um clássico em uma nova plataforma.

Metal Slug X (PlayStation)

Quando falamos de jogos de ação e tiro em 2D, poucos nomes brilham tanto quanto Metal Slug. E no PlayStation, tivemos a chance de experimentar Metal Slug X, uma versão que levou toda a adrenalina dos arcades da SNK para dentro de casa, mantendo a essência que fez a série famosa: ação frenética, inimigos por todos os lados e aquele humor característico.

Gráficos

Mesmo no PlayStation, Metal Slug X conseguiu preservar boa parte do charme gráfico do original. Os sprites são grandes, detalhados e cheios de animações cômicas, seja nos inimigos, nos soldados atrapalhados ou até mesmo nos chefes colossais. Apesar de algumas quedas de performance ocasionais, o jogo entrega uma experiência visual muito próxima do arcade, o que já era um grande feito para a época.

Som

A trilha sonora segue o mesmo padrão de energia e intensidade que marcou a série. As músicas empurram a ação para frente e combinam perfeitamente com o ritmo acelerado. Os efeitos sonoros também são um espetáculo à parte: tiros, explosões e os gritos caricatos dos soldados inimigos ajudam a dar ainda mais vida ao campo de batalha. O PlayStation conseguiu manter boa fidelidade, o que reforça a atmosfera caótica e divertida.

Jogabilidade

A jogabilidade é direta e viciante: atirar, destruir, salvar prisioneiros e avançar sem olhar para trás. A resposta dos controles é precisa, e o game continua sendo aquele desafio arcade que exige reflexos rápidos e atenção constante. Além disso, a presença dos veículos (os famosos Slugs) aumenta a variedade e deixa as fases ainda mais empolgantes.

Fidelidade ao original

Um dos pontos mais fortes de Metal Slug X no PlayStation é justamente sua fidelidade ao original dos arcades. Apesar das limitações de hardware, a SNK e a Nazca conseguiram trazer quase toda a experiência sem grandes cortes, preservando a diversão e a identidade da franquia. É claro que a versão arcade ainda é mais fluida, mas para quem jogou no console, a adaptação foi mais do que satisfatória.

Diversão que atravessa gerações

Se há algo que define Metal Slug X, é a diversão. Poucos jogos conseguem prender o jogador do início ao fim com tanta intensidade, seja sozinho ou em dupla. É ação pura, misturada com humor e exagero, que se mantém divertida até hoje.

Veredito 

Metal Slug X no PlayStation é uma adaptação competente de um clássico absoluto dos arcades. Com gráficos carismáticos, som explosivo, jogabilidade viciante e fidelidade notável ao original, ele se destaca como um dos títulos mais divertidos da biblioteca do console. É o tipo de jogo que não envelhece: cada partida é uma nova dose de adrenalina e risadas.

Street Fighter Alpha (Playstation)

Lançado originalmente nos arcades em 1995, Street Fighter Alpha: Warriors’ Dreams marcou o início de uma nova fase para a série de luta mais famosa da Capcom. O título foi rapidamente adaptado para os consoles, incluindo o PlayStation, que recebeu uma das versões mais acessíveis ao público caseiro da época.

Lançamento e contexto

O jogo chegou ao PlayStation em meados dos anos 90, em um momento em que o console da Sony ainda estava conquistando seu espaço no mercado. A Capcom aproveitou a popularidade da franquia para trazer um título que unia o legado de Street Fighter II com elementos narrativos e visuais inspirados em Street Fighter Alpha: Warriors’ Dreams. A grande novidade foi a introdução de personagens que até então só haviam aparecido em outras franquias da Capcom, além de visuais renovados e mais próximos do estilo de anime.

Gráficos

No PlayStation, os gráficos mantêm boa fidelidade ao arcade, ainda que com algumas perdas técnicas, principalmente nos tempos de carregamento e em pequenas reduções de efeitos de animação. Ainda assim, a arte colorida e os personagens em estilo mais jovial se destacavam e davam um frescor à série. Comparado aos jogos de luta 2D da época, o resultado era satisfatório e mostrava bem a transição da franquia para uma nova estética.

Som

A trilha sonora também recebeu atenção especial, com faixas que misturam arranjos clássicos da série a músicas novas que reforçam a identidade “Alpha”. Os efeitos sonoros das lutas, como golpes, impactos e vozes digitalizadas, cumpriam bem seu papel, mesmo que o áudio não fosse tão limpo quanto no arcade.

Jogabilidade

A jogabilidade foi o ponto forte da versão de PlayStation. O jogo trouxe um sistema de Super Combos, a possibilidade de realizar contra-ataques e o inovador Alpha Counter, que adicionava uma camada estratégica aos combates. A velocidade era satisfatória, ainda que alguns jogadores mais exigentes notassem leves diferenças em relação à versão arcade. Para os fãs que jogavam em casa, no entanto, a experiência era completa e divertida, com controles precisos e responsivos.

Veredito

Street Fighter Alpha para PlayStation cumpriu bem o papel de trazer a experiência do arcade para os lares. Mesmo com pequenas limitações técnicas, o jogo oferecia uma combinação de estilo visual renovado, boa trilha sonora e jogabilidade viciante, consolidando-se como uma das primeiras grandes adaptações de luta 2D no console da Sony. Para os fãs da época, foi a porta de entrada para uma nova fase da franquia, que ganharia sequências ainda mais refinadas nos anos seguintes.

Alien Resurrection (PS1)

Quando Alien Resurrection chegou ao PlayStation em outubro de 2000, a recepção foi, no mínimo, curiosa. O filme homônimo havia sido lançado em 1997 e, portanto, o jogo parecia um produto atrasado, lançado três anos depois do material que pretendia promover. Ainda assim, a Fox Interactive apostou em trazer a atmosfera sombria do universo Alien para os videogames, entregando um título que, apesar de irregular, marcou presença por algumas escolhas ousadas.

Lançamento e recepção

O atraso em relação ao filme fez com que o jogo chegasse com pouco impacto de marketing, já que o interesse pelo longa já havia esfriado. No entanto, os fãs de ficção científica e do gênero survival horror ainda aguardavam algo que pudesse misturar a tensão de Resident Evil com a agressividade de um Doom. A recepção da crítica na época foi dividida: muitos destacaram o clima sombrio e a fidelidade ao universo Alien, mas houve bastante crítica ao atraso, à jogabilidade peculiar e à dificuldade elevada.

Curiosamente, Alien Resurrection também ficou marcado como um dos primeiros jogos de console a adotar controles em dois analógicos, algo que na época parecia estranho, mas que hoje é o padrão em praticamente todo FPS. Na época, revistas e jogadores consideravam esse esquema “confuso”, mostrando como o game estava à frente do seu tempo nesse aspecto.

Gráficos

Visualmente, o jogo não chega a ser impressionante, mas cumpre bem o papel de criar tensão. Os cenários são escuros, claustrofóbicos e reforçam a sensação de estar preso em corredores estreitos de uma nave infestada por xenomorfos. A modelagem dos inimigos é simples, mas o design agressivo e as animações rápidas ajudam a transmitir o perigo constante. Para os padrões de 2000 no PlayStation, Alien Resurrection apresentava gráficos aceitáveis, mas já começava a mostrar a limitação do hardware em comparação ao que estava por vir no PlayStation 2.

Som

Se os gráficos eram medianos, o som é, sem dúvidas, o ponto mais forte do jogo. A trilha sonora minimalista e os efeitos sonoros pesados criam uma atmosfera de suspense que funciona muito bem. O barulho dos passos ecoando nos corredores, o chiado metálico das portas automáticas e o grito súbito de um Alien surgindo do nada contribuem para manter o jogador em constante alerta. Esse trabalho sonoro foi essencial para reforçar a experiência de horror.

Jogabilidade

A jogabilidade, por outro lado, dividiu opiniões. O já citado esquema de controle em dois analógicos, considerado estranho na época, fazia o jogo parecer complicado demais para alguns. Hoje, no entanto, pode ser visto como visionário. O ritmo de jogo é lento, exigindo que o jogador explore, administre recursos e se mantenha atento a emboscadas – mais próximo de um survival horror do que de um shooter frenético. A dificuldade elevada também fez muitos jogadores desistirem cedo, mas quem insistia encontrava uma experiência desafiadora e imersiva.

Veredito

Alien Resurrection para PS1 não foi um sucesso estrondoso e acabou ficando como uma curiosidade dentro da biblioteca do console. Chegou atrasado, teve uma recepção morna, mas trouxe elementos que, com o tempo, seriam reconhecidos como visionários – especialmente o esquema de controle que se tornou padrão nos FPS modernos. Para fãs da franquia Alien, o jogo ainda é uma experiência interessante, capaz de transmitir tensão e medo como poucos títulos da época.

Um game imperfeito, mas ousado, que merece ser lembrado pela sua contribuição ao gênero.