Streets of Rage 4 - Android - 2022

 

Streets of Rage 4 foi lançado originalmente em abril de 2020 para consoles e PC, chegando ao Android e iOS em 24 de maio de 2022 pela Playdigious, com preço promocional de US$ 7,99 (10% de desconto). No Brasil, seu lançamento custou cerca de R$ 26,99.

Essa versão mobile foi elogiada como uma conversão cuidadosa e fiel da versão original, trazida à palma da mão sem cortar funcionalidades ou estilo.

Conversão para a plataforma mobile

A adaptação para celulares foi bem pensada, com a interface remodelada, conquistas integradas, suporte a controles Bluetooth/USB e MFi, além de ausência de microtransações

O jogo mantém o conteúdo completo da versão de consoles, inclusive a DLC Mr. X’s Nightmare, lançada junto com a versão mobile por US$ 2,99.

Gráficos, som e jogabilidade

O visual é um espetáculo: arte desenhada à mão com estilo retrô e animações vibrantes, e ainda permite ativar modo Pixel Retrô com trilha original.

A jogabilidade é fluida e estratégica, com combos, especial recupera vida, movimentações clássicas e desbloqueios de personagens antigos em estilo 16‑bits.

O som não decepciona: nova trilha em estilo electro, reunindo nomes renomados como Olivier Derivière e a lenda Yuzo Koshiro.

Dotemu e Yuzo Koshiro – legado e envolvimento

O título foi desenvolvido por Dotemu, em parceria com Lizardcube e Guard Crush Games, com Playdigious cuidando da versão mobile. A inclusão de Yuzo Koshiro na trilha sonora foi muito celebrada pela comunidade, remetendo aos clássicos da série.

Recepção no lançamento

Críticas especializadas

• Android Police destacou a performance estável a 60 fps, controles personalizáveis e design fiel, ressaltando que falta apenas o multiplayer no lançamento, prometido para uma atualização gratuita.

• O site Jogando Casualmente deu nota 9.0/10, elogiando os gráficos espetaculares, conteúdo extra e suporte a controles físicos; os únicos pontos fracos foram o multiplayer online ainda escasso e limitações de telas largas.

Combina nostalgia e novidade

A versão mobile foi vista como um retorno merecido à franquia, com atmosfera nostálgica e execução moderna, um “amor à série” com jogabilidade refinada e visual primoroso.

Conclusão

Streets of Rage 4 para Android é, sem dúvida, uma das melhores conversões de beat ’em up para mobile. Ele reúne:

• lançamento bem-ajustado e completo,

• visual artístico e trilha sonora de renome,

• jogabilidade refinada e opções de controle físico,

• amplo conteúdo incluindo DLC,

• e uma recepção extremamente positiva entre fãs e especialistas.

Se você procura nostalgia com qualidade moderna, tudo isso no celular, este é um título imperdível.

Phantasy Star (Master System) – O RPG que marcou época no Brasil e no mundo

Quando se fala dos jogos mais importantes da era 8-bit, especialmente no Master System, Phantasy Star é um nome que se destaca com brilho próprio. Lançado originalmente em 1987 no Japão (e em 1988 no ocidente), o jogo foi um verdadeiro divisor de águas para os RPGs nos consoles. Desenvolvido pela Sega e com direção de Kotaro Hayashida, Phantasy Star não apenas mostrou o potencial do Master System, como também conquistou corações, especialmente no Brasil, onde virou um clássico cult graças à sua versão totalmente traduzida em português, algo raríssimo na época.

Lançamento e contexto histórico

Em uma época onde os RPGs estavam começando a ganhar espaço fora do Japão, Phantasy Star foi ousado ao misturar ficção científica com fantasia medieval, em uma narrativa rica e envolvente. Lançado como uma resposta da Sega ao fenômeno Dragon Quest da Enix (e posteriormente Final Fantasy da Square), o jogo ofereceu uma experiência muito à frente do seu tempo.

No Brasil, o jogo ganhou ainda mais relevância por conta da Tec Toy, que não só trouxe o jogo oficialmente, mas também traduzido totalmente para o português, um feito inovador e essencial para o sucesso do título por aqui. Foi um dos primeiros RPGs com enredo complexo acessível ao público brasileiro sem barreiras de idioma.

Gráficos impressionantes para a época

Os gráficos de Phantasy Star eram simplesmente revolucionários para um jogo de 8 bits. Com visuais coloridos, personagens com design marcante e especialmente as dungeons em 3D, o jogo demonstrava um poder técnico surpreendente no Master System. As animações durante as batalhas e os retratos dos personagens também eram ricos em detalhes, conferindo uma identidade visual única e muito acima da média da época.

Som e trilha sonora memoráveis

A trilha sonora, composta por Tokuhiko Uwabo, é outro ponto alto. As músicas conseguem capturar perfeitamente a atmosfera de cada planeta, cidade ou masmorra visitada. Efeitos sonoros bem trabalhados completam a imersão,  algo crucial em um RPG onde a ambientação tem papel fundamental. No Master System, que não era conhecido por seu chip sonoro poderoso, Phantasy Star se destacava e mostrava como um bom design de som poderia fazer milagres.

Jogabilidade profunda e desafiadora

Phantasy Star trouxe uma jogabilidade rica para os padrões da época. Com um mundo expansivo, três planetas a serem explorados, personagens com histórias próprias e batalhas em primeira pessoa, o jogo oferecia horas de exploração e estratégia. O sistema de evolução de personagens, a variedade de monstros e itens, além das masmorras em labirintos 3D, garantiam desafio e profundidade.

Além disso, o jogo trazia uma protagonista feminina, Alis Landale, algo extremamente raro nos videogames dos anos 80, o que já era um diferencial importante.

Sucesso no Brasil e a importância da tradução

No Brasil, Phantasy Star virou um fenômeno cult graças à iniciativa da Tec Toy, que entendeu a importância de tornar os jogos acessíveis ao público brasileiro. A tradução para o português foi essencial para que os jogadores pudessem realmente se envolver com a narrativa e entender os objetivos do jogo.

Essa versão localizada foi um marco: muitos jogadores brasileiros tiveram com Phantasy Star seu primeiro contato com o gênero RPG, e o jogo se tornou uma das experiências mais lembradas do Master System no país.

Importância para o Master System

Phantasy Star foi, sem dúvida, um dos jogos mais ambiciosos e importantes da biblioteca do Master System. Ele ajudou a elevar o console da Sega a um novo patamar técnico e narrativo, mostrando que os videogames podiam contar histórias ricas, imersivas e visualmente impactantes. A ousadia da Sega em investir em um RPG complexo e completo em um sistema 8-bit merece reconhecimento até hoje.

No Brasil, o jogo se tornou um dos símbolos do Master System, impulsionando as vendas do console e moldando toda uma geração de fãs de RPGs.

Veredito 

Phantasy Star não é apenas um jogo clássico, é um marco. Seu legado ainda é sentido hoje, tanto na franquia que continua ativa quanto na memória afetiva dos jogadores que o conheceram nos anos 90. A tradução para o português e sua qualidade técnica fizeram dele um milagre técnico e cultural no Brasil, um verdadeiro tesouro do Master System.

Se você gosta de RPGs e nunca jogou Phantasy Star, vale muito a pena revisitar essa obra-prima. E se já jogou, provavelmente ainda se lembra da primeira vez que enfrentou uma masmorra 3D ou leu um diálogo em português em um RPG, algo que, naquela época, parecia um sonho.

God of War: Chains of Olympus (PSP): um jogo fantástico na palma da mão

 

Quando se pensa nos melhores jogos do PSP, é impossível não citar God of War: Chains of Olympus. Lançado em 2008 e desenvolvido pela Ready at Dawn em parceria com a Santa Monica Studio, o jogo não apenas se destacou como um dos títulos mais grandiosos do portátil da Sony, ele redefiniu o que era tecnicamente possível em um console de mão.

Um Milagre Técnico

Rodando no limitado hardware do PSP, Chains of Olympus entregou uma experiência que, até então, muitos acreditavam impossível. Com gráficos impressionantes, animações fluidas, e cenários detalhados, o jogo beirava o nível visual dos títulos de PlayStation 2, o que é um feito quase milagroso, considerando o poder de processamento muito inferior do portátil.

Os efeitos de luz, partículas e as expressões faciais de Kratos e dos personagens secundários são de um refinamento raríssimo no PSP. O uso inteligente da escala, como nos chefes colossais e nos ambientes grandiosos, deu ao jogo a mesma sensação épica que tornou a franquia famosa nos consoles de mesa.

Som e Trilha Sonora Épica

A trilha sonora orquestrada, com seus tons dramáticos e cinematográficos, complementa perfeitamente a jornada brutal e mitológica de Kratos. Os efeitos sonoros são igualmente poderosos, desde os rugidos de monstros até o som de lâminas cortando carne e os ecos distantes dos cenários divinos.

O trabalho de dublagem em inglês também merece destaque, mantendo o tom raivoso e intenso do protagonista, algo essencial para a imersão da narrativa.

Jogabilidade no Nível dos Consoles

Mesmo com as limitações de botões do PSP, a Ready at Dawn conseguiu adaptar o sistema de combate da franquia com perfeição. Chains of Olympus entrega combates fluidos, combos variados e uma resposta precisa aos comandos. O jogo ainda inclui magias, melhorias de armas e batalhas contra chefes intensas, com QTEs (Quick Time Events) bem implementados.

A câmera fixa, tradicional da série, é usada com sabedoria, garantindo que o jogador sempre tenha uma boa visão da ação, mesmo nas cenas mais caóticas.

Enredo: Um Capítulo Importante na Saga de Kratos

Chains of Olympus se passa antes dos eventos do primeiro God of War, mostrando Kratos servindo aos deuses do Olimpo em troca da promessa de libertação de seus pesadelos. A narrativa mergulha em momentos emocionais raros na vida do espartano, como o reencontro com sua filha Calliope, e reforça sua tragédia pessoal. O roteiro, embora mais contido, é eficaz em dar profundidade ao personagem e ampliar o universo mitológico da série.

Veredito 

God of War: Chains of Olympus não é apenas um dos melhores jogos do PSP, é um marco na história dos portáteis. Um verdadeiro milagre técnico, que mostrou do que a plataforma era capaz quando colocada nas mãos de desenvolvedores talentosos.

Mesmo anos após seu lançamento, o jogo ainda impressiona e continua sendo uma experiência essencial para qualquer fã da franquia ou apreciador de grandes jogos de ação.

Metal Slug 7 (Nintendo DS): A ação clássica ganha novos contornos no portátil da Nintendo

Lançado em 2008 exclusivamente para o Nintendo DS, Metal Slug 7 marca um ponto curioso e importante na franquia da SNK. Mesmo sem o apelo visual dos fliperamas da série original ou o poder de consoles de mesa, este título prova que a essência arcade pode brilhar em um portátil, com ação frenética, visuais vibrantes e novidades na jogabilidade que posteriormente seriam ampliadas em Metal Slug XX (versão melhorada para PSP e consoles).

Gráficos: o 2D continua vivo e bem animado

Apesar das limitações técnicas do Nintendo DS, Metal Slug 7 mantém o estilo artístico consagrado da série. Os sprites continuam bem detalhados e carismáticos, com animações fluidas e uma explosão de cores, tudo com aquele charme pixelado que define a franquia. Os inimigos, veículos e chefes gigantes continuam impressionando, mesmo na telinha do portátil. O trabalho da SNK em adaptar a estética arcade para o DS é digno de elogio.

Claro, há cortes em efeitos visuais e cenários menos interativos em relação às versões para arcade ou Neo Geo, mas o espírito visual está todo lá.

Som: o caos sonoro da guerra 2D

A trilha sonora mantém a energia característica da série, com composições que empolgam e casam perfeitamente com o ritmo acelerado da jogabilidade. Os efeitos sonoros continuam exagerados e satisfatórios, tiros, explosões e gritos inimigos fazem parte da experiência auditiva que é, essencialmente, Metal Slug.

No entanto, por conta do hardware do DS, a qualidade sonora é um pouco comprimida. Ainda assim, o áudio não compromete e reforça bem a atmosfera caótica e divertida do jogo.

Jogabilidade: mais personagens, mais ação

A base da jogabilidade é a mesma da série: ação run 'n gun 2D com progressão lateral, inimigos por todos os lados, e um desafio crescente que exige reflexos rápidos. Em Metal Slug 7, sete personagens jogáveis (Marco, Tarma, Eri, Fio, Clark, Ralf e Leona) oferecem variações sutis de habilidades, algo que adiciona uma camada extra de estratégia e rejogabilidade.

As fases são mais extensas e complexas do que nos títulos anteriores, e o jogo introduz o Modo Missão, onde é possível revisitar fases com objetivos específicos. Isso ajuda a aumentar a longevidade do game, algo que sempre foi uma limitação em jogos da série. Outra novidade é a inclusão de mais armas e upgrades, que depois seriam melhor equilibrados na versão aprimorada Metal Slug XX.

Evolução na franquia: base para o futuro

Metal Slug 7 é mais do que um simples novo capítulo. Ele representa um avanço mecânico e de estrutura para a série, servindo de base para Metal Slug XX, versão lançada no PSP com gráficos melhorados, multiplayer cooperativo e dublagem. Muito do conteúdo e das ideias de MS7 foram refinados na versão XX, que é considerada por muitos fãs a versão definitiva dessa fase da franquia.

Apesar de não ter modo multiplayer (um grande ponto negativo), a versão DS entrega uma experiência sólida e respeitável, sendo um dos jogos mais completos da série em termos de conteúdo solo.

Veredito 

Metal Slug 7 honra a tradição da franquia mesmo em um ambiente portátil mais modesto. Com gráficos consistentes, som marcante e jogabilidade afiada, o título é uma adição valiosa ao catálogo do DS, e um passo importante na evolução da série, que culminaria em Metal Slug XX.

Se você é fã da série, vale conhecer Metal Slug 7 não apenas como jogo isolado, mas como peça fundamental na transição da franquia para os portáteis modernos.

The Legend of Zelda: A Link to the Past (SNES) - Um marco do Super Nintendo e da franquia Zelda

Lançado em 1991 no Japão e 1992 no restante do mundo, The Legend of Zelda: A Link to the Past foi um dos primeiros grandes títulos da biblioteca do Super Nintendo. Desenvolvido pela Nintendo sob a liderança de Shigeru Miyamoto, o jogo não apenas consolidou o potencial técnico do novo console, como também redefiniu o gênero de ação e aventura para toda uma geração.

Um dos primeiros grandes épicos do SNES

Na época de seu lançamento, A Link to the Past já demonstrava a força do Super Nintendo em comparação com o seu antecessor, o NES. Era uma vitrine tecnológica para o console, com cenários amplos, belos efeitos visuais e uma trilha sonora orquestrada digitalmente que elevava a atmosfera de fantasia. O jogo foi um divisor de águas para os fãs da franquia, retornando à visão aérea do primeiro Zelda e deixando de lado a perspectiva lateral experimentada em Zelda II: The Adventure of Link.

Gráficos: detalhados e cheios de personalidade

O estilo gráfico de A Link to the Past é uma obra de arte em pixel. Com uso inteligente da paleta de cores do SNES, o jogo apresentava ambientes ricos em detalhes, desde as florestas densas de Hyrule até os castelos sombrios e o misterioso Mundo das Trevas. Os efeitos de iluminação e os pequenos detalhes dos sprites, como as expressões de Link ou a movimentação dos inimigos, mostravam o esmero da equipe de desenvolvimento.

Som: música que marcou época

A trilha sonora composta por Koji Kondo é, até hoje, lembrada com carinho pelos fãs. Músicas como o tema do overworld, o som misterioso das masmorras ou o épico tema do Dark World são algumas das faixas mais icônicas da franquia. Os efeitos sonoros também merecem destaque, com espadas, trovões e magias reproduzidos com clareza e impacto.

Jogabilidade: refinada, fluida e profunda

A Link to the Past é um exemplo de game design atemporal. A jogabilidade mistura exploração, combate em tempo real, resolução de quebra-cabeças e progressão não-linear. A introdução do conceito de dois mundos (Light World e Dark World), com interações entre eles, foi uma inovação que trouxe profundidade ao jogo e virou padrão para muitos jogos futuros.

O arsenal de Link vai crescendo ao longo da jornada, com itens como o Hookshot, o Cajado de Fogo e a Master Sword, que abrem novas possibilidades de exploração. A sensação de descoberta e evolução constante é um dos grandes triunfos do título.

Um dos Zeldas mais amados até hoje

Mesmo com o passar dos anos e o surgimento de novos jogos da série, A Link to the Past continua sendo uma das experiências mais celebradas da franquia. Sua estrutura influenciou diretamente títulos como Ocarina of Time, A Link Between Worlds e diversos outros jogos que misturam ação e exploração.

Seja por sua narrativa envolvente, pelos personagens cativantes ou por sua execução impecável em todos os aspectos técnicos, A Link to the Past continua relevante até hoje, um verdadeiro clássico dos vídeo games.

Veredito

The Legend of Zelda: A Link to the Past é mais do que um dos melhores jogos do Super Nintendo, é uma aula de design de games, um ícone da era 16-bit e uma pedra fundamental na história da Nintendo. Se você nunca jogou, vale cada segundo. Se já jogou, sabe que sempre há algo novo a descobrir em Hyrule.

Uma lenda que continua viva, geração após geração.

Chrono Trigger (SNES) – A Obra-Prima Atemporal dos RPGs

Lançado em 1995 para o Super Nintendo, Chrono Trigger é considerado por muitos como o ápice dos RPGs da era 16-bits. Desenvolvido pela Square (hoje Square Enix), o jogo é lembrado com carinho por fãs e críticos, sendo celebrado até hoje como uma das maiores obras da história dos videogames. Mas o que torna Chrono Trigger tão especial? Vamos explorar suas curiosidades, enredo, jogabilidade, gráficos, som e legado.

Curiosidades: O “Time dos Sonhos” por trás da criação

Uma das maiores curiosidades sobre Chrono Trigger é o time lendário responsável por sua criação. O projeto reuniu três nomes gigantes da indústria japonesa, apelidados de “Dream Team”:

• Hironobu Sakaguchi, criador da série Final Fantasy.

• Yuji Horii, criador da série Dragon Quest.

• Akira Toriyama, famoso mangaká criador de Dragon Ball, responsável pelo design de personagens.

Essa união de talentos resultou em um jogo que conseguiu unir o melhor de diferentes franquias e estilos, criando uma experiência única e memorável. A trilha sonora também foi marcante, composta por Yasunori Mitsuda, que estreava como compositor principal, com contribuições de Nobuo Uematsu (Final Fantasy), após Mitsuda adoecer durante o processo.

Enredo: Viagens no tempo e destinos entrelaçados

O enredo de Chrono Trigger é um de seus maiores trunfos. Ele começa de forma simples, com um jovem chamado Crono participando da feira do milênio. Após um acidente com um experimento de teletransporte, sua amiga Marle é enviada ao passado, dando início a uma aventura épica que envolve viagens temporais por diferentes eras: a pré-história, a Idade Média, o futuro apocalíptico e mais.

A história é profunda, cheia de reviravoltas, e explora temas como amizade, destino, sacrifício e responsabilidade. O grande vilão, Lavos, representa uma ameaça intertemporal que obriga os heróis a alterarem o curso da história para salvar o mundo.

Além disso, o jogo inovou ao oferecer múltiplos finais, dependendo das escolhas do jogador e do momento em que Lavos é enfrentado, uma raridade na época.

Jogabilidade: Um RPG que respeita o tempo do jogador

A jogabilidade de Chrono Trigger segue a linha tradicional dos RPGs japoneses, mas com várias inovações. Em vez de encontros aleatórios, os inimigos aparecem no próprio mapa, permitindo ao jogador evitá-los ou enfrentá-los estrategicamente.

O sistema de combate usa o Active Time Battle (ATB), onde cada personagem tem uma barra de tempo que determina quando pode agir. Mas o grande diferencial está nas Técnicas Duplas e Triplas, em que personagens combinam ataques especiais entre si, criando golpes poderosos e visualmente impressionantes.

Além disso, o jogo é conhecido por seu ritmo fluido, sem enrolação desnecessária, com transições suaves entre cenas e batalhas.

Gráficos: Arte vibrante com a marca de Toriyama

Graficamente, Chrono Trigger é um dos jogos mais bonitos do Super Nintendo. Os cenários são detalhados, com belos efeitos de luz e sombra para a época, e cada era do tempo possui um estilo visual distinto.

Os sprites dos personagens, desenhados por Akira Toriyama, são carismáticos e expressivos, lembrando muito o traço de Dragon Ball, o que deu ao jogo uma identidade visual marcante e facilmente reconhecível.

As animações nas batalhas e nos eventos importantes também demonstram um cuidado técnico incomum para a época, com sequências cinematográficas em pixel art que ainda impressionam.

Som: Uma trilha sonora inesquecível

A trilha sonora composta por Yasunori Mitsuda é simplesmente icônica. Músicas como “Corridors of Time”, “To Far Away Times” e “Chrono Trigger Main Theme” são reverenciadas até hoje.

A trilha sonora não apenas complementa o clima de cada era e situação, mas também reforça o impacto emocional das cenas. Mitsuda criou uma identidade sonora única que elevou a narrativa a outro nível.

Legado: Um clássico eterno

Mesmo quase três décadas após seu lançamento, Chrono Trigger continua sendo celebrado como um dos maiores RPGs de todos os tempos. Ele foi relançado em diversas plataformas, incluindo Nintendo DS, PC e dispositivos móveis, sempre recebendo elogios.

Seu equilíbrio entre jogabilidade acessível, narrativa envolvente, personagens carismáticos e inovação o torna um jogo atemporal, que conquista tanto veteranos quanto novos jogadores.

Veredito 

Chrono Trigger não é apenas um excelente RPG; é uma verdadeira obra-prima. Seu desenvolvimento por um time de lendas, enredo cativante, batalhas dinâmicas, trilha sonora emocionante e gráficos encantadores o colocam no panteão dos videogames. É um daqueles jogos que definem gerações e resistem ao tempo, algo bastante apropriado, considerando sua temática central.

Se você ainda não jogou, Chrono Trigger é mais do que recomendado: é essencial.

Golden Axe – A Batalha Épica no Master System

Lançado originalmente nos arcades em 1989 pela SEGA, Golden Axe rapidamente se tornou um dos beat 'em ups mais populares da época, com sua temática de fantasia medieval e jogabilidade cooperativa. Pouco tempo depois, a SEGA tratou de adaptar o título para seus consoles caseiros, e em 1990 chegou ao Master System uma versão corajosa e tecnicamente engenhosa do clássico. Apesar das limitações evidentes do console de 8 bits, o resultado é digno, para não considerarmos como um milagre técnico.

Lançamento e Contexto

A versão de Golden Axe para o Master System foi lançada em 1990, em meio à popularidade crescente do console da SEGA no Ocidente. Com a missão de levar a experiência arcade para um público doméstico mais amplo, essa adaptação foi uma das muitas tentativas da SEGA de mostrar a força do Master System em um mercado dominado pelo NES.

Limitações Técnicas e Soluções Criativas

O Master System, embora mais potente que o NES em alguns aspectos, ainda era um console de 8 bits, muito inferior ao hardware do arcade original baseado na placa System 16. A transição de um jogo que usava múltiplos planos de scroll, sprites grandes e efeitos sonoros ricos para um sistema com limitações gráficas e sonoras significativas foi um desafio.

Uma das soluções mais interessantes adotadas pela equipe de desenvolvimento foi o uso de "cenários como sprites". Em vez de utilizar o plano de fundo tradicional para os cenários, os programadores converteram partes do cenário em sprites, basicamente, objetos móveis, permitindo maior liberdade para representar detalhes visuais, como árvores e colunas, que no Master System seriam difíceis de renderizar com os tiles limitados do plano de fundo.

Essa técnica, embora engenhosa, teve um custo: menos inimigos simultâneos na tela e algumas simplificações nos detalhes gráficos e na complexidade das animações.

A solução também sacrificou muito da velocidade do jogo e do sistema de colisão, que foram diretamente impactados.

Gráficos

Para um jogo de Master System, Golden Axe apresenta gráficos competentes. Os personagens são menores e menos detalhados do que nos arcades, mas ainda assim reconhecíveis. Os cenários, apesar de mais simples, conseguem manter o clima de fantasia sombria característico da série. A técnica dos cenários como sprites garantiu certa riqueza visual, mesmo com a paleta limitada do console.

Som

O som é um dos pontos mais sacrificados da versão. A trilha sonora icônica do arcade foi drasticamente reduzida, com músicas simples e pouco impactantes. Os efeitos sonoros são básicos, mas cumprem o papel dentro do possível. Faltam os gritos e sons mais complexos das versões de arcade e Mega Drive, o que é compreensível diante do chip sonoro mais limitado do Master System.

Jogabilidade

A jogabilidade é simplificada, e uma das ausências mais sentidas é o modo multiplayer, que foi removido. O jogador assume apenas o papel de Ax Battler, o bárbaro, deixando de lado a possibilidade de escolher Tyris Flare ou Gilius Thunderhead, mas para suprir esssa ausência, você pode escolher antes de iniciar, os poderes equivalentes desses personagens ausentes.

Ainda assim, a mecânica de ataque, pulo e uso de magia está presente, com boa resposta nos controles. A dificuldade é um pouco mais branda do que no arcade, mas o jogo ainda exige atenção nos combates e posicionamento estratégico contra inimigos.

Veredito 

Golden Axe para Master System é uma verdadeira aula de adaptação e criatividade técnica. Mesmo diante de tantas limitações, os desenvolvedores conseguiram entregar uma versão funcional e divertida de um dos maiores clássicos dos fliperamas. Embora a ausência do multiplayer e a simplificação gráfica sejam notáveis, é inegável o esforço colocado para manter o espírito original do jogo.

Para os fãs do console ou curiosos por conversões de jogos entre gerações, essa versão é uma peça interessante da história dos videogames, um exemplo de como engenhosidade e paixão podem ultrapassar barreiras técnicas.

Top Gear 2 (SNES) – A Evolução de um Clássico das Corridas

Lançado em 1993 para o Super Nintendo, Top Gear 2 é a sequência direta do popular Top Gear, um dos jogos de corrida mais queridos do console. Desenvolvido pela Gremlin Graphics e publicado pela Kemco, o game buscou expandir e refinar a fórmula que fez do primeiro título um sucesso, entregando uma experiência mais completa, desafiadora e com elementos que o aproximavam ainda mais dos simuladores da época.

Inovações em Relação ao Antecessor

Enquanto o primeiro Top Gear focava na simplicidade arcade, Top Gear 2 introduziu diversas novidades que adicionaram profundidade à jogabilidade. Uma das principais inovações foi o sistema de upgrades para o carro: ao vencer corridas e ganhar prêmios em dinheiro, o jogador podia investir em melhorias no motor, pneus, suspensão, nitro e até na blindagem, criando uma sensação de progressão muito mais rica.

Além disso, Top Gear 2 aumentou significativamente o número de pistas e locais. São 64 corridas distribuídas em 16 países, com variações climáticas que afetam a dirigibilidade, como chuva e neblina, o que exigia mais estratégia e atenção do jogador. Também houve mudanças no sistema de nitros, que passou a ser mais limitado, exigindo uso tático durante as corridas.

Gráficos

Graficamente, o jogo mostrou uma evolução considerável. Os carros são mais detalhados e as pistas mais variadas, com cenários representando diferentes países ao redor do mundo. Elementos como mudança de clima, efeitos de chuva e estradas molhadas adicionam não apenas desafio, mas também um charme visual. Apesar das limitações do hardware do SNES, Top Gear 2 se destaca pelo uso eficiente de cores e pela sensação convincente de velocidade.

Som e Trilha Sonora

A trilha sonora de Top Gear original, composta por Barry Leitch, se tornou icônica, e em Top Gear 2 ele retorna com faixas igualmente marcantes, embora em menor número. Desta vez, a música é mais discreta, dando mais espaço aos sons do motor e efeitos sonoros durante a corrida. Ainda assim, as melodias presentes mantêm a vibe energética e estimulante que marcou o primeiro jogo.

Os efeitos sonoros também foram aprimorados, com motores mais realistas e barulhos de colisões e mudanças de marcha que ajudam na imersão.

Jogabilidade

A jogabilidade continua acessível e divertida, com controles responsivos e uma curva de dificuldade bem balanceada. A física do jogo é mais exigente do que no primeiro título, o que torna as corridas mais técnicas. As melhorias nos carros impactam diretamente no desempenho, o que incentiva o jogador a investir com inteligência após cada vitória.

O modo multiplayer ainda é um destaque, permitindo que dois jogadores compitam lado a lado em tela dividida, um dos elementos que ajudaram a manter a longevidade do título entre amigos e familiares.

Veredito

Top Gear 2 não apenas manteve a base sólida do seu antecessor, como também trouxe melhorias que o tornaram um dos grandes nomes do gênero no Super Nintendo. Com mais profundidade, desafio e variedade, o jogo conquistou fãs ao redor do mundo e ajudou a consolidar a franquia como uma das mais queridas dos anos 90. Mesmo décadas após seu lançamento, ainda é lembrado com carinho pelos gamers nostálgicos e com justiça.

Daytona USA (Sega Saturn): A corrida que definiu uma era no 32-bit da SEGA

Lançado em 1995 para o Sega Saturn, Daytona USA chegou como uma das principais promessas para mostrar o poder do novo console da SEGA em casa. Baseado na icônica versão dos arcades, que rodava na poderosa placa Model 2, o jogo trazia consigo o desafio de traduzir uma experiência 3D fluida e vibrante para o hardware do Saturn, uma missão ousada, especialmente nos primeiros anos de vida do console.

Lançamento e expectativas

Nos fliperamas, Daytona USA era um fenômeno. Com gráficos poligonais em 3D impressionantes, trilha sonora marcante e uma jogabilidade arcade viciante, o jogo se tornara um símbolo da era moderna dos jogos de corrida. Portanto, quando a versão caseira foi anunciada para o Saturn, as expectativas foram imensas. A SEGA sabia que precisava de um título de peso no lançamento do console, e Daytona USA foi colocado como um dos carros-chefes dessa nova geração.

No entanto, por ter sido desenvolvido às pressas para coincidir com o lançamento do Saturn, a versão original recebeu críticas mistas, o que levou a SEGA a lançar posteriormente uma versão aprimorada, o Daytona USA: Championship Circuit Edition.

Gráficos

Os gráficos de Daytona USA no Saturn, apesar de impressionantes para a época, ficaram abaixo da versão arcade. O Saturn, com sua arquitetura complexa e difícil de programar, não foi capaz de replicar fielmente a suavidade da Model 2. Texturas com baixa resolução, quedas na taxa de quadros e pop-ins de elementos do cenário (carregamento tardio de objetos no horizonte) foram pontos criticados.

Ainda assim, para um jogo de lançamento, Daytona USA se destacava por oferecer pistas em 3D abertas, carros bem modelados e o visual característico e colorido do arcade. Era um jogo que, mesmo com limitações, mostrava o potencial gráfico inicial do console.

Som e Trilha Sonora

Aqui está um dos maiores trunfos do jogo. A trilha sonora de Daytona USA é simplesmente inesquecível. Músicas como “Let’s Go Away”, com seus vocais extravagantes e melodia marcante, se tornaram parte da memória afetiva de uma geração de jogadores. Os efeitos sonoros, como os roncos dos motores e os pneus cantando nas curvas, também estavam bem representados no Saturn.

O áudio, apesar de comprimido em relação ao arcade, manteve a identidade do original e contribuiu muito para a imersão da corrida.

Jogabilidade

A jogabilidade era pura adrenalina arcade. Direta, responsiva e divertida, Daytona USA oferecia três pistas, três níveis de dificuldade e três carros para escolher, cada um com diferentes características de dirigibilidade. O destaque estava nos controles precisos e na curva de aprendizado agradável: fácil de pegar, difícil de dominar.

Mesmo com uma IA básica e a ausência de modos mais robustos, o jogo compensava pela diversão imediata e pelo replay constante. Jogar contra o relógio, desafiar os tempos ou simplesmente curtir uma corrida rápida fazia parte do charme.

Importância no catálogo do Sega Saturn

Daytona USA foi uma peça fundamental na identidade inicial do Sega Saturn. Apesar das críticas à versão apressada, o jogo vendeu bem e marcou presença como uma das primeiras tentativas sérias de levar uma experiência arcade 3D para os lares. Ele ajudou a criar a imagem do Saturn como um console voltado para o arcade, ao lado de títulos como Virtua Fighter e Sega Rally.

Posteriormente, o lançamento da versão Championship Circuit Edition corrigiu vários dos problemas técnicos e aprimorou consideravelmente a experiência, mas a versão original mantém seu valor histórico como um símbolo do lançamento do console.

Veredito 

Daytona USA para o Sega Saturn é um clássico que, apesar de suas limitações técnicas, representa um momento emblemático da transição dos arcades para os consoles de mesa. Com uma trilha sonora inesquecível, jogabilidade divertida e importância histórica para o Saturn, ele é lembrado com carinho por fãs da SEGA e amantes de jogos de corrida arcade.

Se você busca reviver a magia dos anos 90 ou conhecer a essência dos jogos de corrida daquela época, Daytona USA é uma parada obrigatória — mesmo que seja para ouvir um animado “Rolling Start!” mais uma vez.

Start your engines...

Dungeons & Dragons: Shadow over Mystara (Arcade – CPS2)

Lançado em 1996 pela Capcom, Dungeons & Dragons: Shadow over Mystara é a sequência direta de Tower of Doom e um verdadeiro marco nos beat ‘em ups de arcade. Rodando na poderosa placa CPS-2, o jogo foi um divisor de águas por unir com maestria a ação frenética dos jogos de pancadaria com os elementos clássicos de RPG, oferecendo uma profundidade e complexidade raras no gênero. É um título que encantou tanto fãs de D&D quanto jogadores casuais dos fliperamas, e até hoje é lembrado com carinho por sua ousadia e qualidade técnica.

Inovação: RPG em plena pancadaria

A grande sacada de Shadow over Mystara foi incorporar mecânicas tipicamente RPGísticas em um ambiente de ação arcade. Aqui, não basta apenas bater e avançar: você evolui seu personagem, coleta itens, equipa armas e armaduras, utiliza magias variadas e faz escolhas que afetam o caminho da história. Cada classe disponível (como Clérigo, Mago, Elfo, Guerreiro, entre outras) possui características únicas, o que amplia o fator replay de forma impressionante.

Outro destaque é o sistema de níveis, onde os personagens ganham pontos de experiência e ficam mais fortes com o tempo — algo revolucionário para um beat ‘em up tradicional. Isso adiciona um senso de progressão que normalmente só se via em RPGs, deixando a experiência mais envolvente e estratégica.

Jogabilidade: técnica e estratégica

Ao contrário de outros jogos do gênero que valorizam a repetição de movimentos simples, Shadow over Mystara exige domínio de combos, uso tático de magias e itens e cooperação entre os jogadores. É possível jogar com até quatro pessoas ao mesmo tempo, e a sinergia entre as classes torna tudo ainda mais divertido e dinâmico.

Cada personagem possui ataques especiais, magias ou habilidades próprias, e o jogo oferece caminhos ramificados, permitindo diferentes finais e rotas, algo raro nos arcades. As batalhas contra chefes exigem atenção, uso inteligente de recursos e trabalho em equipe.

Gráficos: capricho visual da era CPS2

Visualmente, o jogo é um espetáculo. Aproveitando ao máximo os recursos da placa CPS-2, a Capcom criou sprites grandes, detalhados e bem animados. Os cenários são ricos, variando entre florestas, masmorras, cidades e templos, todos com uma atmosfera medieval envolvente. A arte remete diretamente aos livros e campanhas de Dungeons & Dragons, respeitando o lore e a estética clássica da franquia.

Som: atmosfera e nostalgia

A trilha sonora é intensa e heroica, com temas épicos que se adaptam ao clima de cada fase. Os efeitos sonoros são nítidos, desde os golpes até os encantamentos mágicos, e ajudam a criar uma ambientação rica e envolvente. Vozes digitalizadas também aparecem em momentos específicos, trazendo mais personalidade aos personagens e vilões.

Veredito: Um clássico eterno

Dungeons & Dragons: Shadow over Mystara não é apenas mais um beat ‘em up; é uma verdadeira celebração da fantasia medieval, com profundidade mecânica que poucos jogos de arcade conseguiram alcançar. Ele desafiou as convenções do gênero ao introduzir sistemas de progressão e escolhas, criando um híbrido entre ação e RPG que funciona incrivelmente bem.

Mesmo décadas após seu lançamento, continua sendo jogado em coletâneas e emuladores, e é considerado por muitos como o ápice dos beat ‘em ups da Capcom. Um clássico que merece ser redescoberto por qualquer fã de jogos retrô.